un style homogène dans l’Europe occidentale
entre 1380 et 1450, environ, l’art prend une forme d’expression ou de style auquel il a appelé Gothic International en raison de Les caractéristiques communes qu’il tient dans les différentes régions de l’Europe occidentale, parfois loin les unes des autres. Art lumineux qui plie les formes au rythme d’une écriture malléable, qui privilégie les courbes, l’élégance des couleurs et des attitudes, le gothique international est un art courtois, témoignent du goût d’une société princière pour la rapidité et la cérémonie. Parfois, sa nature internationale a été interrogée pour la désigner uniquement comme un terme de style aristocratique qui le définit de manière égale. Dans la Dipticale Wilton (London, Galerie nationale), exécutée vers 1395 pour le roi d’Angleterre, il a été découvert des influences italiennes, françaises et bohémiennes évidentes, sans être décidée avec la question de son attribution ou de son origine anglaise. Dans l’histoire de l’art italien, le terme Tardo Gotico (tardif gothique) est utilisé pour désigner l’art des premières décennies du XVe siècle, tandis qu’en Allemagne, le terme correspondant est « spätgotik », apparemment littéral traduction de l’italien, qui Il s’applique aux dernières manifestations de ce style, déjà au seuil du seizième siècle.
Diptical Wilton et détails, de 1395, Master de la Dipticale de Wilton (Londres, Galerie nationale). Il s’agit d’une forme de diptyque moderne, qui correspond à la sensibilité d’un art courtois: le roi Ricardo II d’Angleterre est présenté par ses saints protecteurs à la Vierge avec l’enfant entouré d’anges. Le peintre pourrait être un Anglais qui connaissait très bien l’art des tribunaux français. De même, il est possible que le type de beauté de la Vierge de Bohême, la Vierge de San Guy, soit familier (Ricardo II avait été marié dans les premiers nuptiaux avec une princesse de Bohême). La Dipticale Wilton sert en même temps qu’un objet de dévotion et de représentation de la royauté.
Le niveau élevé de culture picturale et la précision des miniaturistes de la peinture, peut être vu dans la balle qui culmine la norme, où l’artiste a peint une image de l’île anglaise avec un château blanc. Montre toute une multitude de détails, tels que des fleurs aux pieds de la Vierge, le petit cerf sur les vêtements des anges, les motifs des brocades des vêtements de coupe, avec leurs plis et d’autres ornements non seulement peints, mais Dans certains endroits sont tamponnés et enregistrés. En tant que caractéristique de ce style international, des scores italiens peuvent également être cités.
Juger par tous les détails iconographiques, ce diptyque extrêmement raffiné a été exécuté dans le même tribunal du roi ou dans son environnement pour commémorer son couronnement. Son intérêt exceptionnel est parce qu’il a des caractéristiques miniatures en même temps pour sa finition et l’orfèvre par la lueur de son fond d’or en relief. Votre place fait partie des objets familiaux de culte domestique, dont l’art parisien nous a laissé les meilleurs exemples. Le roi Ricardo II est présenté par ses saints sticks: San Juan Bautista et le Saint-Roi Eduardo Le confesseur, avec une bague de la main et Saint Edmundo, le roi blessé la mort pour les flèches danoises de l’année 870.
Les peintres de l’Europe occidentale ont été unis par le même répertoire formel et par la même position esthétique fondamentale. En Italie, nous avons trouvé Gentile da Fabrano et Pisanello, à Paris et à Dijon, capitale de Bourgogne, Jean Maluel (environ 1365-1419) ou Melchior Broederlam (documenté de 1381 à 1409) et les frères Limbourg; À Londres, l’enseignant de la Wilton Diptych (documenté vers 1390-1395), en Catalogne, à Borrassà (documenté de 1380 à 1425) ou dans la ville hanséatique de Dortmund, Konrad von Soest (environ 1370 – après 1422), dont l’importance La personnalité dominera toujours l’art de l’Ouest et du nord de l’Allemagne depuis des décennies. Tous ces artistes ont réussi à imprimer leur propre sceau dans le style universel de cette époque.
Intermédiaire d’Avignon
La ville d’Avignon, qui accueille le tribunal pontifical tout au long du XIVe siècle, il Représente le foyer de la diffusion de l’art italien, mais c’est aussi le premier centre où les bases du style international sont élaborées.L’installation des institutions papales et de leurs cardinaux, les grandes constructions entreprises pour les accueillir et l’irradiation intellectuelle de la cour papale, font d’Avignon à cette époque une concentration éblouissante sur laquelle les noms de Petrarca et celui des peintres Simone Martini se distinguent et Matteo Giovannetti. Dans cette ville, carrefour des itinéraires commerciaux et des courants artistiques du Nord et du Sud, ils devront être progressivement mélangés et fusionnés, les sources formelles et stylistiques d’une modélisation gothique internationale avec des tons Siene, avec des sinuosités parasines et avec une touche de substitution. L’origine des enseignants qui travaillaient au palais des papas, permettant de deviner ce que le rôle d’Avignon pourrait être dans la diffusion du nouveau style, prophadible par anglais, allemand, catalan, français, italiens, flamants. À partir d’Avignon, la sinuosité de la ligne et l’élégance de la courtoisie de l’art de Seinée, avec son chromatisme subtil et vigoureux, prolongera son influence non seulement jusqu’à la Cour de Paris, mais aussi au-delà des Pyrénées, jusqu’au royaume d’Aragon voisin. À Barcelone, en même temps, le peintre Ferrer Bassa a développé un art avec des contributions italiennes importantes, en particulier des peintres siennes. On pense que la facture Sienesa dans l’art pratiqué à la Cour de Bohême était portée d’Avignon par des hommes comme la Vierge de Glamz, dont les visites de la cour papales ont été attestées. Les documents de l’heure qui nous indiquent également que les artistes italiens participaient aux peintres français, aux catalans ou en anglais.
Vue d’Avignon, 1409. Miniature du manuscrit Les dialogues de Pierre Salmon (Paris, Bibliothèque nationale de France). Depuis le début du XIVe siècle, les pommes de terre fuyant Rome et leurs luttes de faction sont installées à Avignon. Mais entre 1367 et 1377, avant les exigences de plus en plus pressantes d’une partie du christianisme pour restaurer la papauté à Rome, le retour de Urban V et après Gregorio XI à la ville éternelle, il plié un coup mortel à la projection artistique d’Avignon.
Dans cet environnement de culture internationale élevée, différentes traditions artistiques sont entrées en contact, bénéficiant d’une manière réciproque, d’un échange fructueux d’expériences. Les peintures murales conservées à Avignon, nous donnent une image exceptionnelle d’un tribunal de l’époque. L’amour de la faune et de la flore culmine dans les toilettes de Clément VI, appelées chambre de cerfs, témoignage de la passion princière en chassant. Les peintures murales combinent des thèmes nordiques, en particulier des paysages, avec des caractéristiques spécifiquement italiennes – la modélisation des visages, des yeux d’amande comme dans les peintures de Giotto et la perspective de l’étang. Ce premier ensemble conservé, interprété avec un naturalisme descriptif, anticipe les développements ultérieurs.
Détail de la décoration de la chambre de cerf, 1343, atelier du palais du palais (actif à Avignon vers 1340) (Avignon, palais de papes, tour de la garde-robe). Les artistes français et italiens, tels que Matteo Giovannetti, ont travaillé sur la chambre de cerf située au quatrième étage de la tour de la garde-robe, où Clemente VI a fait installer son lit. Les murs sont décorés de scènes de chasse et de pêche et d’autres passe-temps de pays, sur un plan de paysage charmant. Ce cycle, admiré par des dignitaires souverains et élevés ayant accès à l’intimité du pape, avait une influence considérable sur le développement d’un certain type de peinture profane, de style gothique international.
Formation par Le voyage
Les propagateurs de nouvelles formes, des enseignants itinérants ont également été exposés à de nouvelles influences. Ceci est sans aucun doute expliqué par des voyages successifs à différentes capitales artistiques. Les livres de modèle, qui sont comme un type de cahier de voyage, témoignent. Celui de Jacques Daliwe, dont l’auteur serait originaire de Flandre, entre ses sources probables, ses miniatures parisiennes et ses camées de la collection roi de France, des tapisseries Tournai ou des peintures Arras, Dijon et Hambourg. Un facteur complémentaire de l’internationalisation du style est la circulation des œuvres elles-mêmes. De nombreuses œuvres d’orfèvres françaises transitent bientôt par l’Allemagne, l’Italie ou l’Espagne, soit par l’échange de cadeaux entre Princes, soit en tant que dons aux églises de pèlerinage. Le commerce des objets de luxe explique également la diffusion, dans une vaste zone géographique, des ivoirs parisiens ou des tapisseries Arras. Ainsi, il n’est pas étrange que les enseignants se rassemblent dans des travaux ponctuels (cycles de miniatures, programmes sculpturaux), enrichissent leur production inspirée des artistes de la place.Ceci est plus ou moins apparent, mais les plus grands enseignants ne le renvoient pas, mais au contraire, ils y voient un stimulus pour leur propre création. Dans son Christ portant la croix, Jacquemart de Hesdin s’inspire d’une œuvre de Simone Martini, l’Orsini politique (Paris, Musée du Louvre) où il intégré des groupes de personnalités directement des fresques du peintre Altichiero à Vérone et à Padoue. Jacquemart adapte ces éléments dans leur propre langage formel, plus pittoresque et un climat d’émotion intériorisée.
Christ portant la croix, miniature sur le parchemin collé sur le tissu, 1409, Jacquert de Hesdin (Paris, Musée du Louvre). Dans ce travail, le peintre est inspiré par l’Orsini politique de Simone Martini.
Gothique international est rapidement diffusé et exprimé dans différents pays sous des formes similaires, grâce aux voyages des artistes, à des échanges de tout ordre et surtout à des relations politiques et culturelles étroites entre les grandes coupes princières à travers le continent. Le développement du commerce international engendré intensément une circulation intense d’artistes et d’œuvres d’art. Les échanges commerciaux étaient principalement maritimes, de Venise et de Gênes, de Barcelone, de Bruges, de Londres, de Hambourg. Vous aidez l’émigration des meilleurs artisans ou artistes à offrir leurs services aux princes. Ce dernier sera presque leurs clients importants uniques, depuis leurs goûts ou leur passe-temps de la mode, les inscrivons au rôle des clients. Les universités et les écoles continuent d’avoir une importance capitale. Même de nouvelles universités sont créées, telles que celle de Prague en 1348. Ainsi, la même structure sociale de l’Europe occidentale, la même communauté de civilisation, une dépendance économique étroite et l’absence de frontières, expliquer et favoriser la diffusion d’un art qui fait pas absolument internationale – l’idée de nation n’existe pas encore -. il sera révélé à travers l’ Europe dans une commune, plus ou moins marquée par les origines des artistes, ou par les goûts de sa clientèle princière
Le culte des Rois Mages Los, 1421-1422, Lorenzo Monaco (Florence, Galleria Uffizi). Les comités de cette époque, ont grandement apprécié la question de l’adoration des magiciens comme prétexte à l’ostentation des taux de la Cour, comme l’image d’une société en déplacement continu, mais aussi comme possibilité de donner une représentation fidèle des peuples exotique:. dans le culte des magiciens de Lorenzo Monaco, vous pouvez voir les Africains, Turcs et Mongols vêtus de leur tenue vestimentaire respective, en particulier leurs Insolites touchés
Atlas catalan, 1375, Anonymous majorquin (Paris, Bibliothèque nationale). Cette carte exceptionnelle, attribuée au cartographe de Majorcan, Abraham Cresques, a été donnée par le roi John I d’Aragon à son cousin, King Carlos Vi de France. Il se compose de douze folios montés sur des panneaux de bois. Une fois déployé, ils offrent une vaste image du monde représenté pour la première fois jusqu’à la Chine. Luxe et objet de raffinement, il est également un échantillon de goût courtisanes
art Cortesan et de l’ amour courtois
Au 14ème siècle, les princes ont employé un nombre croissant d’artistes. Architectes, sculpteurs, Peintres, Goldsmiths ou Eboops qui occupaient le titre d’un « assistant de caméra ». Cela n’impliquait qu’une seule fonction particulière, mais indiquait qu’ils avaient une gamme dans la maison du prince et ont reçu une pension, laissant librement d’exécuter d’autres ordres. Ces artistes faisaient partie de la Cour et ont adopté leur esprit et leurs coutumes, à laquelle, sans aucun doute, sont dus à l’art raffiné de l’époque. Les miniatures des frères Limbourg dans les très riches heures de leur mécène Jean de Berry, reflètent cette vie commune partagée. Le frontispiece d’un livre de poèmes commandé à Christine de Pisan ou à Pizan pour la reine Isabeau de Bavière, montre l’un des endroits où cette vie courante et courtoise est développée. L’art de la miniature a également été très apprécié par les Bourgeois, qui, dans certaines villes (Bologne, Strasbourg, Cologne et les villes commerciales de l’Allemagne du Nord), étaient ses principaux comités. Son langage iconographique était également très accessible, jusqu’à ce que l’ancien lettré et hermétisme, cultivé dans la Renaissance, est devenu un art élitiste.
Christine de Pisan présente son livre à Isabeau de Bavière, 1413, Frontispicio des œuvres de Christine de Pisan (Londres, British Bibliothèque).Dans cette miniature, vous pouvez voir la chambre luxueuse où la reine, entourée de votre cour de ladies, accueille l’auteur du livre.
Coeur offrant, vers 1400, rembourrage, laine et soie, (Paris, Musée du Louvre )
Le tribunal a toutefois établi les lignes directrices. Ses goûts ont été sortis de problèmes littéraires, tels que des romans de poésie lyrique et de cavalerie, les mutations de sentiments d’amour et de l’utilisation immodérée d’allégorie, qui sont devenues des caractères autonomes ou des objets concrets. C’était presque en son sens, que l’amant a offert au cœur de sa dame. L’amour allégué a été licencié. Sur ce point, la mythologie et la littérature courtoise se sont souvenues, celle enrichissant l’autre. Ovidio a été l’auteur le plus estimé et Christine de Pisan l’a emprunté pour son épître d’Othea. La littérature de troubadour sur l’ancien amour des aamors ou du Corté a été achevée en imprégnant les coutumes. La langue appropriée pour cet état de l’Esprit a été civilisée, mesurée, élégante; L’art correspondant devrait répondre aux mêmes qualités. La précieuse des gestes a traduit celui des sentiments. La robe, très soignée, correspond à la mode courtoisie. Dans le jardin éternel du poète, les mêmes scènes suivies: première rencontre, échange de vêtements d’amour, mélancolie des amoureux, bien que l’histoire se soit souvent terminée dans un amour impossible.
Apollo et Dafné, 1406- 1408, miniature de L’épître d’Othea de Christine de Pisan (Paris, Bibliothèque nationale de France)
Le peintre officiel était responsable de l’image de son Seigneur et de l’environnement aristocratique et raffiné qui l’entourait. Les tâches de ceci étaient d’exécuter les portraits de son protecteur et de ses courtisans, d’effectuer les cycles de fresques dans les résidences les plus importantes, des auteurs auteurs de peinture ou d’autres tables destinées à mettre en évidence les qualités ou à glorifier la famille dominante. Ces activités alternent d’autres professions éphémères: préparation des fêtes et des tournois, réalisation de décorations de théâtre, exécution de bannières et de pendones ornementales, conception de meubles divers, design de robes et d’accessoires, illustration de codices avec miniatures, cartes maritimes, production de modèles pour Les boucliers, les armures et les devises héraldiques, les jeux de cartes et divers objets, ainsi que les précieux cadeaux envoyés à d’autres coupes telles que l’admiration ou les objets d’émulation. Le peintre a également été confié à l’organisation d’événements officiels et de cérémonies, telles que des banquets solennels, des réceptions et une réception de nobles visiteurs. En résumé, un créateur avec plusieurs facettes et protéigènes, dans un domaine d’action extraordinairement étendu, essentiel au travail d’équipe et à l’organisation d’un atelier polyvalent, capable de dominer les différentes techniques et matériaux. À Milan, à la Cour des Visconti, les frères Zavattadi, avec une grande pompe et une grâce amnotante, orné une chapelle de la cathédrale de Monza avec des fresques représentant des problèmes profanes.
L’histoire de Theodolinda: l’empereur Constantine atteint l’Italie, Frais, 1440-1450, Frères Zavattari (Monza, Cathédrale). Dans cette scène internationale de style gothique, le voyage de l’empereur Constantino II Héraclitus est signalé comme évoqué dans les chroniques de Paul Diace et Bonincontro Morigia. Le Comalanda del Fresco est Filippo Maria Visconti, duc de Milan, mais le cycle sera résilié au moment de la Sforza. La FASTO est un style courtois. Theodolinda a été représenté comme une princesse de Tremeno qui vit dans un environnement raffiné, comme indiqué par l’utilisation abondante de l’or.
L’homme astrologique des heures très riches du duc de Berry, 1413-1416, frères Limbourg (Chantilly, Condé Museum). Autour de la scène centrale de la miniature, les figurations élégantes des signes du zodiac ornent la représentation approfondie d’un calendrier perpétuel, réalisée avec précision et goût pour la fantaisie. Les symboles du zodiaque ont été placés sur les parties du corps qui sont considérés comme soumis à l’influence des Astros correspondant à chaque signe. La représentation des deux figures nues de dos contre le dos, bien que pleine de fantaisie, est d’accord avec l’anatomie concrète, ce qui donne à la miniature une forme d’ambiguïté magique. Le mélange de la réalité et de la fantaisie est une caractéristique essentielle du gothique international.
Plus que la famille et les fêtes religieuses qui constituent la vie courtoise, c’est une fête profane qui nous fait découvrir l’image courtoise de certains princes qui célèbrent le beau mois de mai, le retour du printemps. Le calendrier des heures très riches les montre à cheval, la tête serrée avec le feuillage, accompagnant les dames au fils des fanfares, ou sur une branche solitaire, une branche de la Floride dans sa main. L’image de tant d’élégance et de courtoisie pourrait sembler artificious et banale, mais la tristesse douloureuse des jumeaux du signe du zodiaque dans le même calendrier est son contrepoint. L’élégance de l’art et des moyens, n’oublierait pas la dureté d’une époque des guerres.
Le mois de mai, calendrier des heures très riches, 1414-1416, frères Limbourg (Chantilly, Condé Museum)
L’esprit courtois va avoir une considération considérable influence sur tout l’art du temps et de l’art religieux. Le donneur ou le donneur s’agenouillée sur les pieds de la Vierge dans la majesté, de la même manière que l’amant s’amimine devant sa dame ou le monsieur avant l’amour de Dieu. Si le but change, la composition de l’ensemble et la délicatesse du dessin sont Similaire. Les lignes sinueuses et les rideaux subtils appartiennent également à ce courant, ainsi que les visages juvéniles, les magnifiques vêtements, les gestes manifestes et les doigts extraordinairement tranchants. Le mélange de douceur et de jeunesse, de lignes amusantes, de tissus flexibles de couleurs riches, de la beauté de l’or gravée et du sol recouvert de fleurs de printemps, forme du charme des panneaux de dévotion privés, et sa petite taille en fait l’incarnation du luxe suprême .
Coronation de la Vierge, par 1410 (Berlin, Gemäldegalerie)