Jean Fouquet (Português)

RetratasReditar

Retratos, parte básica do seu trabalho artístico, mostre sua capacidade de capturar a personalidade dos retratados. Nesta época, o retrato, que até então foi um gênero desconcertado, começou a se tornar um ótimo estilo. Até então ele era eminentemente religioso e começou a se tornar profano. Ele começou a se reproduzir para retratar à procura de sua personalidade psicológica.

No retrato do rei Carlos VII, ele pintou o personagem na frente e cercado por cortinas. Ele seguiu esta tradição francesa de pintar o rei sem os atributos de sua posição e sem aparecer como uma figura intermediária de doador, fórmula que já era usada um século antes no retrato do rei João II. O resultado é uma figura de influências flamenco com uma análise muito detalhada do rosto. O reinado de Carlos foi um dos mais complexos da monarquia francesa. Inicialmente respondeu, ele teve que reconquistar o país para o inglês e teve um papel importante na reorganização do Estado. Mesmo assim, o artista retratou-o desprovido de atributos reais, embora ele aumentasse a largura de seus ombros para apresentá-lo mais majestosamente. De acordo com Benazit, é mais provável que seja uma de suas obras mais antigas, antes da viagem à Itália. Este crítico afirma que o retrato do rei lembra o retrato de Arnolfini (van Eyck), e isso é pintado nessa atitude de oração com que o fouquet pintou todas as suas figuras. Ele também argumentou que todas as suas outras pinturas conheciam o Quattrocento italiano e esta é a exceção.

No retrato de Jester Gonela, pintado na Itália, apresentou a figura muito primeiro, deixando uma grande parte da figura para fora da pintura, e focalizando Toda a atenção no rosto, com o que conseguiu transmitir dominar a profunda humanidade do personagem. Otto Pacht mostrou que este retrato do bobo da bunda, atribuído por um longo tempo para Van Eyck e também para Bueghel, foi pintado por Fouquet.

Na cópia do retrato desaparecido de Eugenio IV, realizada em Roma, apresenta o caráter do meio corpo e a atenção do artista concentrou-se em nos transmitir a psicologia do homem, poderosa, absorvida e enérgica.

em seu auto-retrato, 1450, somos mostrados com um rosto jovem ligeiramente inclinado com um aspecto seguro e direcionar firmemente o espectador. É um cobre esmaltado de 6,8 cm de diâmetro que revela que conhecia outras técnicas pictóricas. Esta rodada fazia parte do Diptych de Melun e demonstra que ele estava ciente da importância do DIPTYCH. Estudiosos vêem neste retrato um homem que se considerava humanista.

em direção a 1465, pintou o retrato do cancileiro Guillaume Juvento des Ursins. É sobre o lado esquerdo de um dipóticos ou um tríptico devocional, cuja parte direita foi perdida. Apresenta-se em uma atitude sensível. A figura tem um grande volume e está em postura oblíqua em três trimestres. O retrato é diferente da de Chevalier, porque mesmo sendo parte de um díptico e encontrando-se em atitude de oração, já não aparece acompanhado por seu santo padroeiro. O aspecto religioso desapareceu da foto. Ele se importava primeiro de transmitir a honestidade e o aspecto de uma boa pessoa. Em segundo lugar, ele destacou as características que mostram-lhe como um alto funcionário do reino. O retratado foi uma pessoa de alta classificação, aspecto que o pintor deu muita importância. Roupa, a bolsa para o cinto, o travesseiro e os pilastos de ouro de grande riqueza transmitem esta instância.

Dippical of Melondenditar

Por 1450, ele pintou Diptych de Melun, encomendado por Étienne Chevalier. Em ambas as mesas, ele fez um compêndio dos modos flamenco, italiano e gótico. Assim, os detalhes do trono e da coroa da Virgem são flamingos, as figuras monumentais de Etienne de San Esteban e a arquitetura com uma perspectiva passiva são italianas. No entanto, o retrato de Chevalier é Flamenco, Los Angeles são góticos e a composição é renascimento.

na mesa à esquerda, o doador ele está em Oração, protegida por seu santo padroeiro, Saint Stephen, com roupas diáconas. Acima do livro, Saint Stephen carrega uma pedra pontiaguda, indicando que foi lapidado.Há um importante tratamento de luz, contrastado em luzes e sombras, e a maneira como essas figuras estão em espaço real, que é clara influência italiana. No entanto, o interesse que ele captura os tecidos, os mármores, a pele, refere-se à influência flamenga de Jan van Eyck.

O realismo desta tabela contrasta fortemente com o outro painel do Diptych, onde é Ele consegue criar uma composição muito idealizada que parece irreal, e com luz novamente, que desempenha um papel importante. A atmosfera celestial está localizada em frente ao terreno. A virgem aparece como uma mulher muito bonita e elegante, pele branca e perfeita e muito larga. Tem uma camada de um exército e o peito nu deixado tem a ver com o papel de Maria como enfermeira da humanidade. O trono e a coroa são adornados com pérolas e gemas. Os anjos são organizados de modo que cada face esteja em uma posição diferente: os azuis são querubins e os vermelhos são serafins, de acordo com os pais da igreja. Los Angeles monocromes, vermelho e azul, contrastam fortemente com o branco de mármore virgem. Como virgem aparece Agnès Sorel, amante do rei Carlos VII, do qual Chevalier era amigo e testamentário Albacea. Dizia que a bela Agnès era a mulher mais bonita da França. O Diptych foi organizado na Capela Funeral de Agnès Sorel na Catedral de Melun, com a intenção de facilitar sua entrada para o reino celestial. No entanto, é também um motivo de controvérsia que é agnès sorel, porque, mesmo sendo uma tradição muito antiga, há aqueles que defendem que é a esposa do pintor, Catherine Bude.

críticas aponta o contraste Entre a textura branca e resplandecente da Virgem e da Criança, os anjos monocromáticos vermelhos e azuis e as cores tênues de Chevalier e Saint Stephen. Também contrasta o arranjo frontal da Virgem e da criança com os números do perfil do doador e do companheiro. Finalmente, o amálgama de estilos góticos e renascentistas, nórdicos e italianos se destaca. Os dois painéis foram vendidos separadamente durante a Revolução Francesa, atualmente encontrando a placa esquerda no gemäldegalerie de Berlim e à direita no Museu de Belas Artes de Antuérpia. Do Diptych também vem a pequena Tondo (imagem redonda) com o auto-retrato do artista, agora no Louvre.

piedade de NonAUship

por 1470-1480 Pintado piedade de Nouans, feita em grande formato (146 cm x 237 cm). É o trabalho fundamental da fase final de sua carreira. A perfeição de como as figuras são ordenadas é claramente renascentista. Eles poderiam ajudar na realização desta pintura de seus filhos, Louis e François, que se estima que intervieram em sua oficina na última fase de sua produção.

Esta grande imagem difere do resto de sua produção e é necessário. Incluindo que este trabalho monumental é devido a um miniaturista. Certamente o trabalho tem alguns defeitos devido às grandes magnitudes da pintura, mas o trabalho deve ser considerado como um dos mais belos do pintor. É uma piedade diferente. Aqui a Virgem com seu sofrimento não ocupa o tema central da imagem, pois pode ser na Pieta de Avignon e a composição não está centrada na Virgem. A Virgem contempla o Cristo que dois discípulos colocam na frente dela. San Juan também contempla a cena com uma atitude protetora em relação a Maria. Quatro mulheres e dois outros discípulos seguem eventos excitados. À direita, o doador é acompanhado por seu santo Santiago Santiago, então o doador deveria ser tão olá.

A semelhança dos dois discípulos que levam a Cristo são desenhados. É provavelmente o mesmo modelo pintado em posição diferente. A excitação contida e o sofrimento de todas as figuras é talvez o aspecto principal da pintura. Também vale a pena mencionar o retrato do doador, muitas vezes apontado como um dos seus melhores retratos. O varejista nas mãos do doador, de Maria e de uma das mulheres, é comparável às mãos de Chevalier no Diptych ou daqueles do retrato de Junén.

miniaturaseditar

Também era um iluminador e miniaturista que alcançaram precisão requintada na representação dos detalhes e que combinavam refinamentos lineares franceses e sentido volumétrico italiano.

Hourbook de Étienne Chevaliereditary

hourbook de étienne chevalier
Condé, Chantilly Museum. Tempera sobre Pergamino

o verdadeiro tesoureiro encomendou seu livro de horas de Étienne Chevalier, que é considerada sua obra-prima por sua excelente miniaturas. Feito entre 1452 e 1460, Fouquet é destacado na forma tradicional de iluminação medieval. Elimine os ornamentos e ocupe toda a página girando a miniatura em uma pintura. Ao aplicar as novas técnicas, renovou a arte da iluminação. Perspectiva financiada, jogos de luzes e cores, arquiteturas idealizadas do renascimento em representações de antiguidade e naturalismo aplicado na interpretação dos temas tradicionais. Todas as folhas têm o mesmo formato de 16,5 cm x 12 cm. Eles foram realizados em uma tempera em pergaminho. Alguns deles estavam em mau estado e precisavam de medidas especiais de conservação.

Nas reproduções fotográficas das duas primeiras folhas, enfrentadas como dipiti, ela é proposta novamente da dívida de melun. O retrabalho mantém algumas propostas e modifica os outros. Assim, os principais números são mantidos: Étienne é praticamente uma cópia, Santo Stephen é adiada pela preponderância a Chevalier, a figura da Virgem não é mais Agnes Sorel, mas também tem o peito descoberto; Embora neste caso esteja amamentando Jesus. A modificação desta versão é que as duas partes formam a mesma sala. Este extremo é observado na continuidade das paredes do palácio, na calçada, no arranjo de Los Angeles e no manto vermelho de Maria que invade ligeiramente o lado esquerdo. Isso implica que Chevalier atingiu o reino celestial e, por essa razão, o rodeia dos anjos. As principais figuras não parecem mais frontais e em diferentes mundos, mas as referem, colocando-as em frente aos outros. O artista atribui assim seu melhor patrono em um livro para uso privado.

Integrados livremente elementos de político ou arquitetônico. Por exemplo, ele tratou Carlos VII como um dos sábios ou usou francês decorado em episódios bíblicos. Desta forma, é totalmente incorporado nas idéias do Renascimento, apresentando o homem na esfera do Divino e se aproximando de Deus aos homens.

Na folha de Epifania, ele se juntou à história bíblica e História da França. Gaspar, representada por Carlos VII, ama Jesus. O rei é claramente distinguido pelo seu rosto e suas roupas. O tapete com o símbolo de flor Lys em que o rei da França se ajoelha, é prolongado no vestido da Virgem, juntando-se ao episódio bíblico e da história francesa. Os soldados se formaram ao lado do rei indicam que Carlos VII coloca seu exército à disposição de Cristo. A mensagem que é transmitida é que a França se torna o reino preponderante do cristianismo. No fundo você vê o final de uma batalha entre francês e inglês. Cristo é com a França e a vitória é das tropas francesas na guerra das centenas de anos.

Na folha da anunciação, onde os especialistas avisam a influência do desgastar angélico, um momento dos quais existem Uma multidão de iconografias: “Arcanjo Gabriel disse a María: … e você conceberá em seu peito e vai estacionar um filho que você vai chamar Jesus … Mary respondeu: Como isso será?, Porque eu não sei … e ele respondeu ao anjo: O Espírito Santo virá sobre você, e a virtude dos mais altos fará uma sombra, o santo que nascerá será chamado Filho de Deus “. O raio de luz e pombo simbolizam o momento descrito. Naquele exato momento, Maria estava confortavelmente enunted. Maria é representada em atitude modesta e piedosa (“eis o servo do Senhor”. – Evangelho de San Lucas). Aparece com um livro aberto e, às vezes, um livro fechado que é o novo e o Antigo Testamento. A Virgem está na nave central de uma catedral gótica. O edifício é representado com precisão e a igreja é inundada de luz. Tanto arquitetura quanto a luz têm uma função simbólica: a virgem aparece como mãe da igreja e identifica com a própria igreja.

A igreja representada na folha é a catedral de Bourges. Todo o prospecto vaza em um ponto, no centro da pintura, que coincide com a estátua de Moisés com as mesas da lei. A coincidência da cor azul do vestido da Virgem e do altar é observada.Na próxima folha, a vinda do Espírito Santo, preservada no Metropolitan Museum of New York, colocou o episódio do Novo Testamento em fiel rezando em uma paisagem parisiense, mostrando a ponte de Saint Michel sobre o Sena e a fachada de Notre Dame .

Na folha os funerais de Étienne Chevalier, o pintor antecipou os funerais deste personagem. Quatro monges de ordens mendicantes carregam o caixão de Étienne Chevalier à igreja, acompanhados por portadores de tochas. Em primeiro plano, um porteiro que é quebrado aparece. É possível que o Fouquet represente as arquiteturas dos diferentes destinos de Chevalier: Uma torre italiana é apreciada à esquerda, uma igreja e uma torre de sino inglesa no centro, e o Louvre Torretas de Paris à direita.

O livro de horas de Ethienne Chevalier foi separado e desgrenhado por volta de 1700, as ilustrações em 47 comprimidos de madeira. Hoje estes são mantidos espalhados em seis museus diferentes, embora a maior parte deles, quarenta folhas, permaneça no Museu Condé de Chantilly. As imagens soltas estão no Museu Metropolitano de Nova York, Museu Marmotã-Monet em Paris, etc.

Grandes crônicas de francedit

Em 1458, eles o encomendaram para ilustrar as grandes crônicas da França, possivelmente o receptor foi o mesmo rei. Tecnicamente emprega um estilo mais francês com menos influências italianas. Eles aparecem no fundo da Villas que ele conhece bem, como passeios, Orleans e Paris.

Representou a monarquia e onde a propaganda era evidente: momentos históricos favoráveis e ingressos triunfantes nas cidades. A flor dos lis, emblema da casa valois, aparece repetidamente. Na primeira folha, em 5 de junho de 1286, Eduardo I da Inglaterra, homenagem ao rei da França, Felipe IV, a bela, na presença do tribunal. Este último foi um político realista que favoreceu a formação de um pensamento estatal. Guyena e Gascono, na França, ainda eram posses feudais de Eduardo I e é por isso que Vassalage é dado ao rei francês. Mais tarde, eles entraram na guerra entre eles. Na segunda lâmina, Carlos v, o sábio, entra triunfante em Paris através do portão de Saint-Denis, depois de ter sido coroado em Reims em 19 de maio de 1364. Ele era um importante rei para a França, a guerra de cem anos e esforçou-se para restaurar a ordem no país e fortalecer o prestígio da monarquia.