um estilo homogêneo em toda a Europa Ocidental
entre 1380 e 1450, aproximadamente, a arte toma uma forma de expressão ou estilo ao qual ele chamou a Gothic International devido a As características comuns que ele detém nas diferentes regiões da Europa Ocidental, às vezes, longe umas das outras. Arte luminosa que dobra as formas ao ritmo de uma escrita maleável, que privilegia as curvas, a elegância de cores e atitudes, o gótico internacional é uma arte cortês, testemunha o sabor de uma sociedade principesca para o rápido e cerimonial. Às vezes, sua natureza internacional foi questionada para designá-la apenas como um estilo aristocrático que define igualmente. No Dípio Wilton (Londres, Galeria Nacional), executado em torno de 1395 para o rei da Inglaterra, foi descoberto influências evidentes italianas, francesas e boêmias, sem ser decidido com a questão de sua atribuição ou sua origem inglesa. Na história da arte italiana, o termo TARDO GOTICO (tardio gótico) é usado para designar a arte das primeiras décadas do século XV, enquanto, na Alemanha, o termo correspondente é “Spätgotik”, Aparentemente literal tradução de italiano, que Aplica-se às últimas manifestações desse estilo, já no limiar do século XVI.
Wilton e detalhes dípcios, por 1395, mestre do díptico de Wilton (Londres, Galeria Nacional). É uma forma de um díptico moderno, que corresponde à sensibilidade de uma arte cortês: o rei Ricardo II da Inglaterra é apresentado por seus protetores sagrados para a Virgem com a criança cercada por anjos. O pintor poderia ser um inglês que sabia muito bem a arte dos tribunais franceses. Da mesma forma, é possível que o tipo de beleza da Virgem da Boêmia, a Virgem de San Guy, possa ser familiar, (Ricardo II havia sido casado em primeiros nupciais com uma princesa da Boêmia). O wilton díptico serve ao mesmo tempo que um objeto de devoção e representação da realeza.
O alto nível de cultura pictórica e a precisão miniaturista da pintura, pode ser vista na bola que culmina o padrão, onde o artista pintou uma imagem da ilha inglesa com um castelo branco. Mostra toda uma riqueza de detalhes, como flores nos pés da virgem, o pequeno cervo nas roupas dos anjos, os motivos dos broccatas das roupas de corte, com suas dobras e outros ornamentos que não são apenas pintados, mas em alguns lugares são carimbados e gravados. Como uma característica desse estilo internacional, as pontuações italianas também podem ser citadas.
Julgando por todos os detalhes iconográficos, este díptico extremamente refinado, foi executado no mesmo tribunal do rei ou em seu ambiente para comemorar sua coroação. Seu excepcional interesse, é porque tem um recurso em miniatura ao mesmo tempo para o final, e o goldsmithing pelo brilho de seu fundo de ouro em relevo. Seu lugar faz parte dos objetos familiares de culto doméstico, dos quais, a arte parisiense nos deixou os melhores exemplos. O rei Ricardo II é apresentado por seus padrões sagrados: San Juan Bautista, e o Santo Rei Eduardo o confessor, com um anel na sua mão, e São Edmundo, o rei ferido morte pelas flechas dinamarquesas no ano 870.
Os pintores da Europa Ocidental estavam unidos pelo mesmo repertório formal e pela mesma posição estética fundamental. Na Itália, encontramos gentile da Fabrano e Pisanello, em Paris e Dijon, capital da Borgonha, Jean Maluel (cerca de 1365-1419) ou Melchior Broederlam (documentado de 1381 a 1409) e os irmãos Limbourg; Em Londres, o professor do Wilton Diptych (documentado por volta de 1390-1395), na Catalunha, Lluís Borrassà (documentado de 1380 a 1425) ou na cidade hanseática de Dortmund, Konrad von Soest (cerca de 1370 – após 1422), cuja importante A personalidade ainda dominará a arte do Ocidente e do norte da Alemanha por décadas. Todos esses artistas conseguiram imprimir sua própria vedação no estilo universal deste tempo.
O intermediário de Avignon
A cidade de Avinhão, que recebe o Tribunal Pontifício em todo o século XIV, Representa o foco da difusão da arte italiana, mas também é o primeiro centro onde as bases do estilo internacional são elaboradas.A instalação das instituições papais e seus cardeais, as grandes construções realizadas para acomodá-las e a irradiação intelectual do tribunal papal, tornar a Avinhão naquela época um foco deslumbrante em que os nomes de Petrparca e os dos pintores Simone Martini se destacam e Matteo Giovannetti. Naquela cidade, encruzilhadas de rotas comerciais e correntes artísticas do norte e sul, elas serão para ser progressivamente misturadas e mescladas, as fontes formais e estilísticas de uma modelagem gótica internacional com tons de siene, com parasínas sinuossities e com um toque de petrarquismo. A origem dos professores que trabalhavam no palácio de Papas, adivinham o que o papel de Avignon poderia estar na difusão do novo estilo, profatível por inglês, alemão, catalão, francês, italianos, flamingos. A partir de Avignon, a sinuosidade da linha e a elegância de cortesia da arte do seine, com seu cromatismo sutil e vigoroso, estenderá sua influência não apenas até o tribunal de Paris, mas também além dos Pirinéus, até o reino de Aragão. Em Barcelona, ao mesmo tempo, o pintor Ferrer Bassa desenvolveu uma arte com importantes contribuições italianas, especialmente dos pintores Sienese. Acredita-se que a fatura Sienesa na arte que era praticada no tribunal de Bohemia foi trazida de Avignon por homens como a Virgem de Glatz, cujas visitas ao tribunal papal foram atestadas. Os documentos do tempo também nos indicam, que os artistas italianos participam de pintores franceses, catalães ou inglês.
Vista de Avignon, 1409. Miniatura do manuscrito Os diálogos do Pierre Salmon, (Paris, Biblioteca Nacional da França). Desde o início do século XIV, as batatas fugindo de Roma e suas lutas de facção são instaladas em Avignon. Mas entre 1367 e 1377, antes dos requisitos cada vez mais pressionantes de uma parte do cristianismo para restaurar o papado em Roma, o retorno do Urban V e depois de Gregorio XI para a cidade eterna, ele se inclinou um golpe fatal para a projeção artística de Avignon.
Nesse ambiente de cultura internacional elevada, diferentes tradições artísticas entraram em contato, beneficiando de uma maneira recíproca, de uma troca frutífera de experiências. As pinturas mural que foram preservadas em Avignon, nos dão uma imagem excepcional de um tribunal do tempo. O amor pela fauna e da flora culmina no banheiro Clemente VI, chamado de câmara de veado, testemunho de paixão principesca pela caça. Os murais combinam os temas do norte, especialmente paisagens, com características especificamente italianas – modelagem de rostos, olhos de amêndoa como nas pinturas de Giotto, e a perspectiva da lagoa. Este primeiro conjunto conservado, interpretado com um naturalismo descritivo, antecipa desenvolvimentos subseqüentes.
Detalhe da decoração da câmara de cervos, 1343, oficina do palácio do palácio (ativo em Avinhão por volta de 1340) (Avignon, Palácio de Papas, Torre do Roupeiro). Artistas franceses e italianos, como Matteo Giovannetti, trabalhou na câmara dos cervos localizados no quarto andar da torre do guarda-roupa, onde Clemente VI fez a instalação da cama. As paredes são decoradas com cenas de caça e pesca e outros passatempos no país, em um fundo de paisagem encantadora. Este ciclo, que foi admirado por dignitários soberanos e altos que tinham acesso à intimidade do papa, teve uma influência considerável no desenvolvimento de um certo tipo de pintura profana, de estilo gótico internacional.
Treinando por A viagem
propagadores de novas formas, os professores itinerantes também foram expostos a novas influências. Isso é indubitavelmente explicado por viagens sucessivas para diferentes capitais artísticas. Livros modelo, que são como um tipo de notebook de viagem, testemunham. A da Jacques Daliwe, cujo autor seria originalmente de Flandres, tem entre suas fontes prováveis, miniaturas parisienses e campos do rei da França, tapeçarias de Tournai ou Arras, Dijon e Pinturas de Hamburgo. Um fator complementar da internacionalização do estilo é a circulação dos próprios funcionamentos. Numerosas peças de ourives francesas estão em breve transitando pela Alemanha, Itália ou Espanha, seja pela troca de presentes entre os príncipes, ou como doações para as igrejas de peregrinação. O comércio de objetos de luxo também explica a difusão, dentro de uma vasta área geográfica, marfim parisienses ou arras tapeçarias. Assim, não é estranho que os professores se reunissem no trabalho pontual (ciclos de miniaturas, programas esculturais), enriquecem sua produção inspirada nos artistas do lugar.Isso é mais ou menos aparente, mas os maiores professores não descartam, mas pelo contrário, vêem um estímulo para sua própria criação. Em seu Cristo, carregando a cruz, Jacquemart de Hesdin é inspirada por um trabalho de Simone Martini, o Museu Político de Orsini (Paris, Louvre), onde integrou grupos de figuras diretamente dos afrescos do pintor Altichiero em Verona e em Pádua. Jacquemart adapta esses elementos dentro de sua própria linguagem formal, mais pitoresca e um clima de emoção internalizada.
Cristo carregando a cruz, miniatura no pergaminho colado no tecido, 1409, Jacquert de Hesdin (Paris, Museu Louvre). Neste trabalho, o pintor é inspirado pela Orsini Política de Simone Martini.
Internacional Gótico é rapidamente divulgado e expresso em diferentes países sob formas semelhantes, graças às viagens dos artistas, às trocas de toda a ordem e acima de tudo para fechar relações políticas e culturais entre os cortes principescos ambiciosos pelo continente. O desenvolvimento do comércio internacional engendrou intensamente, uma intensa circulação de artistas e obras de arte. Trocas comerciais eram principalmente marítimos, por Veneza e Gênova, por Barcelona, Bruges, Londres, Hamburgo. Você está ajudando a emigração dos melhores artesãos ou artistas a oferecer seus serviços aos príncipes. Este último será quase seus clientes importantes únicos, já que seus gostos ou seu passatempo de moda, consagrão-os ao papel dos patronos. Universidades e escolas continuam a ter uma importância capital. Mesmo novas universidades são criadas, como a de Praga em 1348. Assim, a mesma estrutura social da Europa Ocidental, a mesma comunidade de civilização, uma festa de dependência econômica e a ausência de fronteiras, explicam e favorecem a disseminação de uma arte que faz Não seja absolutamente internacional – a ideia de nação ainda não existe – será revelada através da Europa em comum, mais ou menos marcante pelas origens dos artistas, ou pelos gostos pessoais de sua clientela principesca.
a adoração de Los Magi, 1421-1422, Lorenzo Monaco (Florença, Galleria Degli uffizi). As comissões desse tempo, apreciou grandemente a questão da adoração dos mágicos como pretexto à ostentação das taxas do tribunal, como a imagem de uma sociedade em deslocamento contínuo, mas também como a possibilidade de dar uma representação fiel dos povos Exótico: Na adoração dos mágicos de Lorenzo Monaco, você pode ver africanos, turcos e mongóis vestidos em seus respectivos trajes, em particular seus incomums tocados.
Atlas Catalão, 1375, Anônimo Mallorcan (Paris, Biblioteca Nacional). Este mapa excepcional, atribuído ao cartógrafo Mallorcano Abraham Cresques, foi dado pelo rei John I de Aragão ao seu primo, o rei Carlos Vi de France. Consiste em doze fólios montados em painéis de madeira. Uma vez implantado, eles oferecem uma vasta imagem do mundo representada pela primeira vez até a China. Objeto de luxo e refinamento, é também uma amostra de gosto de cortesã.
Arte cortês e amor cortês
no século 14, os príncipes empregavam um número crescente de artistas: arquitetos, escultores, Pintores, Goldsmiths ou Embordos que realizaram o título de “assistente de câmera”. Isso não envolveu apenas uma função específica, mas indicou que eles tinham um intervalo na casa do príncipe e recebeu uma pensão, deixando livre para executar outras ordens. Esses artistas faziam parte do tribunal e adotaram seu espírito e seus costumes, aos quais, sem qualquer dúvida, são devidos à arte refinada do tempo. As miniaturas dos irmãos Limbourg nas horas muito ricas de seu patrono de Jean de Berry, são um reflexo dessa vida útil partilhada. O frontispício de um livro Poems encomendado para Christine de Pisan ou Pizan para a Rainha Isabeau da Baviera, mostra um dos lugares onde esta vida requintada e cortês é desenvolvida. A arte da miniatura também foi muito apreciada pelos burgueses, que em certas cidades (Bolonha, Estrasburgo, Colónia e as cidades comerciais da Alemanha Norte) eram seus principais comitês. Sua linguagem iconográfica também foi muito acessível, até que o antigo estudioso e hermetismo, cultivado no renascimento, tornou-se uma arte elitista.
Christine de Pisan apresenta seu livro para Isabeau de Baviera, 1413, frontispicio dos trabalhos de Christine de Pisan (Londres, Biblioteca Britânica).Nesta miniatura você pode ver o quarto luxuoso onde a rainha, cercada pelo seu tribunal de senhoras, recebe o autor do livro.
Oferta de coração, para 1400, estofos, lã e seda, (Paris, museu do Louvre )
O Tribunal, no entanto, estabeleceu as diretrizes. Seus gostos foram retirados de questões literárias, como poesia lírica e romances de cavalaria, as mutações de sentimentos amorosos e o uso imoderado da alegoria, que se tornaram caracteres autônomos ou objetos concretos. Foi quase em seu próprio sentido, que o amante ofereceu o coração para sua dama. O amor alegorizado foi demitido. Neste ponto, a mitologia e a literatura cortês se lembram, aquela enriquecendo a outra. Ovidio foi o autor mais estimado, e Christine de Pisan emprestou-o por sua Epístola Othea. A literatura de troubadour sobre os antigos Fin’Amors ou Corté Love, tinha terminado impregnando os costumes. A linguagem adequada para esse estado do Espírito foi civilizada, medida, elegante; A arte que correspondeu deve atender às mesmas qualidades. A preciosidade dos gestos traduziu o dos sentimentos. O vestido, muito cuidadoso, correspondia à moda cortesã. No jardim eterno do poeta as mesmas cenas seguidas: primeiro encontro, troca de roupas de amor, melancolia dos amantes, embora a história muitas vezes terminasse em amor impossível.
Apollo e Dafné, 1406- 1408, miniatura de A Epístola Otéia de Christine de Pisan (Paris, Biblioteca Nacional da França)
O pintor oficial foi responsável pela imagem de seu senhor e do ambiente aristocrático e refinado que o rodeava. As tarefas disso foram para executar os retratos de seu protetor e seus cortesãos, para realizar os ciclos de afrescos nas residências mais importantes, altarlings de tinta ou outras mesas destinadas a destacar as qualidades ou glorificar a família predominante. Estas atividades alternadas com outras ocupações efêmeros: preparação de festas e torneios, realização de decorações de teatro, execução de banners e pendons ornamentais, concepção de diversos móveis, design de vestidos e acessórios, ilustração de códigos com miniaturas, mapas marítimos, produção de modelos para Escudos, armaduras e moedas heráldicas, jogos de cartas e vários objetos, bem como os valiosos presentes que foram enviados para outros cortes, como admiração ou objetos de emulação. O pintor também foi confiado pela organização de eventos e cerimônias oficiais, como banquetes solenes, recepções e recepção de visitantes nobres. Em resumo, um criador com múltiplas facetas e proteiforme, dentro de um campo de ação extraordinariamente extenso, o que é essencial para o trabalho em equipe e a organização de um workshop polivalente, capaz de dominar as diferentes técnicas e materiais. Em Milão, no Tribunal do Visconti, os irmãos Zavattari, com grande pompa e graça amnevante, adornou uma capela da catedral de Monza com afrescos representando questões profanas.
A história de Theodolinda: Imperador Constantino atinge a Itália, fresco, 1440-1450, irmãos Zavattari (Monza, Catedral). Nesta cena internacional de estilo gótico, a viagem do Imperador Constantino II Heraclitus é informada como evocada nas crônicas de Paul WiCre e Bonincontro Morigia. O Comalanda del Fresco é Filippo Maria Visconti, Duque de Milão, mas o ciclo será encerrado no momento da Sforza. O fastro é um estilo cortês. Theodolinda foi representado como uma princesa de tremeno que vive em um ambiente refinado, como indicado pelo abundante uso de ouro.
O homem astrológico das horas muito ricas do duque de Berry, 1413-1416, irmãos Limbourg (Chantilly, Museum Condé). Em torno da cena central da miniatura, as elegantes figuras dos sinais do zodíaco adornam a representação completa de um calendário perpétuo, realizado com precisão e gosto pela fantasia. Os símbolos do zodíaco foram colocados nas partes do corpo que são consideradas sujeitas à influência dos Astros correspondentes a cada sinal. A representação das duas figuras nuas de volta contra as costas, embora cheia de fantasia, seja acordada com a anatomia concreta, que dá a miniatura uma forma de ambigüidade mágica. A mistura de realidade e fantasia é uma característica essencial do gótico internacional.
Mais do que as festas religiosas que compõem a vida cortês, é uma festa profana que nos faz descobrir a imagem cortês de alguns príncipes que celebram o belo mês de maio, o retorno da primavera. O calendário das horas muito ricas mostra-lhes a cavalo, a cabeça apertada com folhagem, acompanhando as senhoras para o filho das fanfarras, ou montando uma filial solitária, uma filial da Flórida na mão. A imagem de tanta elegância e cortesia pode parecer artificial e banal, mas a dolorosa tristeza dos gêmeos do signo do zodíaco no mesmo calendário, é o seu contraponto. A elegância da arte e maneiras, não podia esquecer a dureza de um tempo de guerras.
O mês de maio, calendário das horas muito ricas, 1414-1416, irmãos Limbourg (Chantilly, Museu Condé)
O espírito cortês vai ter um considerável influência em toda a arte do tempo e também na arte religiosa. O doador ou doador se ajoelhe aos pés da virgem na majestade, da mesma forma que o amante se ajoelha diante de sua dama ou do cavalheiro antes do amor de Deus. Se o propósito mudar, a composição do todo e a delicadeza do desenho são Semelhante. As linhas sinuosas e as cortinas sutis também pertencem a esta corrente, assim como as faces juvenis, as roupas magníficas, os gestos elegantes e os dedos extraordinariamente nítidos. A mistura de doçura e juventude, linhas engraçadas, de tecidos flexíveis de cores ricas, a beleza do ouro gravada e o chão coberto com flores da primavera, forma a partir do charme de painéis de devoção privada, e seu pequeno tamanho faz deles a encarnação do luxo supremo .
Coroação da Virgem, por 1410 (Berlim, Gemäldegalerie)