RetratatAtar
Portraits, une partie de base de votre travail artistique, montrez votre capacité à capturer la personnalité des détresse. En cette époque, le portrait, qui était jusque-là un genre non camaradé, a commencé à devenir un style grand. Jusque-là, il était éminemment religieux et commença à devenir profane. Il a commencé à se reproduire à la recherche de sa personnalité psychologique.
Dans le portrait du roi Carlos VII, il a peint le personnage devant et entouré de rideaux. Il a suivi dans cette tradition française de peindre le roi sans les attributs de son rang et sans apparaître comme une figure intermédiaire de donneur, la formule déjà utilisée un siècle avant le portrait du roi Johni II. Le résultat est une figure d’influences flamenco avec une analyse très détaillée du visage. Le règne de Carlos était l’un des plus complexes de la monarchie française. Réponse initialement, il devait reconquérir le pays pour l’anglais et avait un rôle important dans la réorganisation de l’État. Malgré tout, l’artiste l’a décrit dépourvu d’attributs réels, bien qu’il a élargi la largeur de ses épaules pour le présenter plus majestueusement. Selon Benazit, il est probablement l’une de ses œuvres les plus anciennes, avant le voyage en Italie. Ce critique affirme que le portrait du roi se souvient du portrait d’Arnolfini (Van Eyck), et qui est peint dans cette attitude de prière avec laquelle Fouquet a peint toutes ses figures. Il a également fait valoir que toutes ses autres peintures connaissaient l’Italien Quattrocento et c’est l’exception.
Dans le portrait de Jester Gonela, peint en Italie, a présenté la figure tout d’abord, laissant une grande partie de la figure de la silhouette de la peinture et de se concentrer toute l’attention sur le visage, avec ce qui a réussi à transmettre de manière maîtrise la profonde humanité du personnage. Otto Pacht a montré que ce portrait du Jester, attribué depuis longtemps à Van Eyck et à Brueghel, a été peint par Fouquet.
Dans la copie du portrait disparu d’Eugenio IV, tenue à Rome, présente le caractère de la moitié du corps et l’attention de l’artiste s’est concentrée sur la transmission de la psychologie de l’homme, puissante, absorbée et énergique.
dans son autoportrait, 1450, nous sommes montrés avec un jeune visage légèrement incliné avec un aspect sûr et diriger fermement le spectateur. C’est un cuivre émaillé de 6,8 cm de diamètre qui révèle qu’il connaissait d’autres techniques picturales. Ce tour faisait partie du diptyque de Melun et démontre qu’il était conscient de l’importance de la diptyque. Les érudits voient dans ce portrait un homme qui se considérait humaniste.
vers 1465, peint le portrait de Canceller Guillaume Juvento des Ursins. Il s’agit du côté gauche d’une dipotique ou d’un triptyque de dévotion, dont la partie droite a été perdue. Il la présente dans une attitude tendre. La figure a un volume important et est dans une posture oblique en trois quarts. Le portrait est différent de celui de Chevalier, car même faire partie d’une diptyque et se retrouver dans une attitude de prière, il n’apparaît plus accompagné de son saint patron. L’aspect religieux a disparu de l’image. Il se souciait d’abord de transmettre l’honnêteté et l’aspect d’une bonne personne. Deuxièmement, il a souligné les caractéristiques qui lui montrent comme un haut fonctionnaire du royaume. La personne dépeinte était une personne de rang élevé, aspect que le peintre a donné beaucoup d’importance. Vêtements, le sac à la ceinture, l’oreiller et les pilastres dorés de la grande richesse transmettent cette instance.
Dippical de Melondenditatar
En 1450, il a peint le diptyque de Melun, commandé par Étienne Chevalier. Dans les deux tables, il a fait un compendium des modes flamenco, italien et gothique. Ainsi, les détails du trône et de la couronne de la Vierge sont des flamants, les figures monumentales de Etienne de San Esteban et de l’architecture avec une perspective passive sont italiennes. Cependant, le portrait de Chevalier est flamenco, Los Angeles est gothique et la composition est la Renaissance.
dans la table à gauche, le donneur qu’il est dans le donneur Prière, protégée par son saint patron, Saint Stephen, avec des vêtements de diacre. Au-dessus du livre, Saint Stephen porte une pierre pointue indiquant que c’était lapidée.Il existe un traitement important de la lumière, contrairement aux lumières et aux ombres, et la façon dont ces chiffres sont dans un espace réel, ce qui est une influence italienne claire. Cependant, l’intérêt qu’il capture les tissus, les billes, la peau, fait référence à l’influence flamande de Jan van Eyck.
Le réalisme de cette table contraste fortement avec l’autre panneau du diptyque, où il est Il parvient à créer une composition très idéalisée qui semble irréel et à nouveau, qui joue un rôle important. L’atmosphère céleste est située devant le terrestre. La Virgin apparaît comme une très belle et élégante femme, une peau blanche et parfaite et une face très large. Il a une couche d’armée et la poitrine nue gauche a à voir avec le rôle de Marie comme une infirmière de l’humanité. Le trône et la couronne sont ornés de perles et de gemmes. Les anges sont agencés de sorte que chaque visage soit dans une position différente: les bleus sont des chérubins et les rouges sont Seraphim, selon les parents de l’Église. Les monochromes de Los Angeles, rouge et bleu contrastent fortement avec le blanc marbre vierge. Comme Virgin apparaît, Agnès Sorel, Amoureux du roi Carlos VII, dont Chevalier était un ami et testamentaire Albacée. On a dit que la belle Agnès était la plus belle femme de France. Le diptyque a été arrangé dans la chapelle funéraire de Agnès Sorel dans la cathédrale de Melun, avec l’intention de faciliter son entrée au royaume céleste. Cependant, il est également un motif de controverse que c’est Agnès Sorel, car, même étant une très vieille tradition, il y a ceux qui défendent que c’est la femme du peintre, Catherine Bude.
critique pointe le contraste Entre la texture blanche et resplendissante de la Vierge et de l’enfant, les anges monochromes rouges et bleues et les couleurs ténues de Chevalier et Saint Stephen. Il contraste également l’agencement frontal de la Vierge et de l’enfant avec les chiffres du donneur et du profil compagnon. Enfin, l’amalgame de styles gothique et renaissance, nordique et italien se distingue. Les deux panneaux ont été vendus séparément pendant la Révolution française, trouvant actuellement le plateau de gauche à la Gemäldegalerie de Berlin et à droite au musée des beaux-arts d’Anvers. Depuis le diptych, vient aussi le petit Tondo (photo ronde) avec l’autoportrait de l’artiste, maintenant dans le Louvre.
Étienne Chevalier avec San Stephen. Gemäldegalerie, Berlin.
la Vierge avec l’enfant. Musée des beaux-arts, Anvers.
la piété de non-assistance
par 1470-1480 Piété de Nouans peinte, fabriqué en gros format (146 cm x 237 cm). C’est le travail fondamental de la phase finale de sa carrière. La perfection de la manière dont les chiffres sont commandés est clairement la renaissance. Ils pourraient aider dans la réalisation de cette peinture de leurs enfants, Louis et François, estimé qu’ils sont intervenus dans leur atelier lors de la dernière phase de leur production.
Cette excellente image diffère du reste de sa production Et c’est nécessaire. Y compris que ce travail monumental est dû à un miniaturiste. Certainement, le travail a des défauts en raison de la grande magnitude de la peinture, mais le travail devrait être considéré comme l’un des plus beaux du peintre. C’est une piété différente. Ici, la Vierge avec sa souffrance n’occupe pas le thème central de la photo comme il peut être dans la Pieta d’Avignon et la composition n’est pas centrée sur la Vierge. La Vierge envisage le Christ selon lequel deux disciples placent devant elle. San Juan envisage également la scène avec une attitude de protection envers Mary. Quatre femmes et deux autres disciples suivent des événements excités. À droite, le donneur accompagné de sa sainte Santiago sainte, de sorte que le donneur était censé être si bonjour.
La similitude des deux disciples qui mènent au Christ sont tirées. C’est probablement le même modèle peint à une position différente. L’excitation contenue et la souffrance de toutes les figures est peut-être l’aspect principal de la peinture. Il convient également de mentionner le portrait du donateur, souvent souligné comme l’un de ses meilleurs portraits. Le détaillant des mains du donneur, de Marie et d’une des femmes, est comparable aux mains de Chevalier dans le diptyque ou ceux du portrait de Junén.
MiniatuseDitatar
Était également un illuminateur et un miniaturiste qui a obtenu une précision exquise dans la représentation des détails et que les raffinements linéaires français combinés et le sens volumétrique italien.
Hourbook de Étienne Chevaliereditar
Le vrai trésorier a commandé son livre d’heures de Étienne Chevalier, qui est considéré comme son chef – d’œuvre pour son excellent miniatures. Fait entre 1452 et 1460, Fouquet est détaché sous la forme traditionnelle d’éclairage médiéval. Éliminez les ornements et occupez toute la page en train de tourner la miniature en une peinture. Lors de l’application des nouvelles techniques, il a renouvelé l’art de l’illumination. Point de vue réduit, des jeux de lumières et de couleurs, des architectures idéalisées de la Renaissance dans des représentations antiquités et du naturalisme appliqué dans l’interprétation des thèmes traditionnels. Toutes les feuilles ont le même format de 16,5 cm x 12 cm. Ils ont été effectués sur une tempera sur le parchemin. Certains d’entre eux étaient en mauvais état et ont nécessité des mesures de conservation spéciales.
dans les reproductions photographiques des deux premières feuilles, face à une diptyque, elle devient proposée à nouveau de la diptyle de Melun. Le retournement maintient certaines propositions et modifie les autres. Ainsi, les principales figures sont maintenues: Étienne est pratiquement une copie, Saint Stephen est retardée par la prépondérance à Chevalier, la figure de la Vierge n’est plus Agnes Sorel, mais elle a également le Bosom découvert; Bien que dans ce cas, il allaite Jésus. La modification de cette version est que les deux parties forment la même pièce. Cet extrême est observé dans la continuité des murs du palais, sur la chaussée, dans la disposition de Los Angeles et dans le manteau rouge de Marie qui envahit légèrement le côté gauche. Cela implique que Chevalier a atteint le royaume céleste et pour cette raison lui entoure d’anges. Les principaux chiffres n’apparaissent plus frontal et dans différents mondes mais les racontent, les mettant en face des autres. L’artiste hommage ainsi son meilleur patron dans un livre pour une utilisation privée.
intégré des éléments librement librement de politique ou d’architecture. Par exemple, il a traité Carlos VII comme l’un des hommes sages ou utilisé français décoré dans des épisodes bibliques. De cette façon, il est pleinement intégré dans les idées de la Renaissance, en présentant l’homme dans la sphère du Divin et approcher de Dieu aux hommes.
Dans la feuille de l’Epiphanie, il a rejoint l’histoire biblique et la Histoire de la France. Gaspar, représenté par Carlos VII, aime Jésus. Le roi se distingue clairement par son visage et ses vêtements. Le tapis avec le symbole de la fleur Lys sur lequel seignent le roi de France, est prolongé dans la robe de la Vierge en rejoignant l’épisode biblique et l’histoire française. Les soldats formés à côté du roi indiquent que Carlos VII met son armée à la disposition du Christ. Le message qui est transmis est que la France devient le royaume prépondérant de christianisme. Dans l’arrière-plan, vous voyez la fin d’une bataille entre le français et l’anglais. Christ est avec la France et la victoire est des troupes françaises dans la guerre des cent ans.
Dans la feuille de l’Annonciation, où les spécialistes mettent en garde contre l’influence de Fray Angelic, un moment dont il existe une multitude d’iconographies: « Archange Gabriel a déclaré à María: … Et vous concevrez dans votre poitrine et vous allez garer un fils que vous appellerez Jésus … Mary répondit: Comment ça va être ?, Parce que je ne connais pas le mâle … et il répondit à l’ange: l’Esprit Saint viendra sur toi, et la vertu du Très – haut fera une ombre, le Saint qui naîtra sera appelé Fils de Dieu ». Le rayon de lumière et pigeon symbolisez le moment décrit. En ce moment même, Maria était confortablement enchantée. Mary est représentée dans une attitude modeste et pieuse (« Voici le serviteur du Seigneur ». – Évangile de San Lucas). Il apparaît avec un livre ouvert et, parfois, un livre fermé qui est le nouveau et de l’Ancien Testament. La Vierge est dans le navire central d’une cathédrale gothique. Le bâtiment est représenté avec précision et l’église est inondée de lumière. L’architecture et la lumière ont une fonction symbolique: la Virgin apparaît comme une mère de l’Église et identifie avec l’église elle-même.
L’église représentée dans la feuille est la cathédrale de Bourges. Toute la perspective fuit à un moment donné, au centre de la peinture, qui coïncide avec la statue de Moïse avec les tables de la loi. La coïncidence de la couleur bleue de la robe de la Vierge et de l’autel est observée.Dans la feuille suivante, la venue du Saint-Esprit, conservée au Musée métropolitain de New York, a placé l’épisode du Nouveau-Testament sur des fidèles prières dans un paysage parisien, montrant le pont Saint-Michel sur la Seine et la façade de Notre-Dame .
Dans la feuille Les funérailles de Étienne Chevalier, le peintre a anticipé les funérailles de ce personnage. Quatre moines de commandes mendiantes portent le cercueil d’Étienne Chevalier à l’église, accompagnés de transporteurs de torches. Au premier plan, un porteur qui a un cassé apparaît. Il est possible que Fouquet représente les architectures des différentes destinations de Chevalier: une tour italienne est appréciée à gauche, une église et une clocher anglaise au centre, et le Louvre Torretas de Paris à droite.
Le livre d’heures d’Ethienne Chevalier a été séparé et échevelé vers 1700, les illustrations sur 47 comprimés en bois à cheval. Aujourd’hui, ils sont gardés dispersés dans six musées différents, bien que la masse d’entre eux, quarante feuilles, reste au musée Condé de Chantilly. Les images libres sont dans le musée métropolitain de New York, Musée Marmottan-Monet à Paris, etc.
Grandes Chroniques de Franceit
En 1458, ils l’ont commandé d’illustrer les grandes chroniques de la France, éventuellement le destinataire était le même roi. Techniquement emploie un style plus français avec moins d’influences italiennes. Ils apparaissent sur le fonds des villas qu’il sait bien, comme des visites, de l’Orléans et de Paris.
représentait des images où il a étouffé la monarchie et où la propagande était évidente: des moments historiques favorables et des billets triomphants dans les villes. La fleur de Lys, emblème de la maison de Valois, apparaît à plusieurs reprises. Dans la première feuille, le 5 juin 1286, Eduardo I d’Angleterre, rend hommage au roi de France, Felipe IV la belle, en présence de la cour. Ce dernier était un politicien réaliste qui a favorisé la formation d’une pensée d’État. Guyena et Gascono, en France, étaient encore des biens féodaux d’Eduardo I et c’est pourquoi le vassalage est donné au roi français. Plus tard, ils ont entré la guerre entre eux. Dans la deuxième lame, Carlos V, la sauge, entre Triumphant à Paris à travers la porte de Saint-Denis, après avoir été couronnée à Reims le 19 mai 1364. Il était un roi important pour la France, la guerre de cent ans et s’est efforcé de restaurer l’ordre dans le pays et de renforcer le prestige de la monarchie.
grandes chroniques de France
Bibliothèque nationale de Paris
Antiquités juifs de Flavio Josefoedit
d’ici 1470 et avant 1476, il a reçu la Commission de Jacques de Armagnac, Duke de Nemours, pour terminer le Codex des antiquités juives de Flavio Josefo, qui étaient devenus incomplets après la mort de leur propriétaire, le duc Jean de Berry, et cet Armagnac avait hérité. Fouquet a joué 12 miniatures.
a effectué le drame du peuple juif à travers des scènes de grandes scènes avec des foules ordonnées magistérielles. Il a généralement adopté un point de vue élevé qui lui a permis de couvrir de grands paysages. Dans la gestion de la foule adoptée pour présenter un premier groupe de personnes dans un avion voisin. Il imaginait des paysages extraordinaires, anciens décorés, qui alternent des loisirs de la vallée de la Loire. Les maisons qui apparaissent dans la prise de Jéricho sont les maisons de Tours. Dans chaque feuille, il superposait plusieurs épisodes, représentés sur différents plans. La Bibliothèque nationale de Paris conserve neuf miniatures d’antiquités juives de Flavio Josefo.
Bibliothèque nationale de Paris.
Tempéra sur Parchemin