Uno stile omogeneo in tutta Europa occidentale

tra il 1380 e il 1450, circa, l’arte prende una forma di espressione o stile a cui ha chiamato Gothic International a causa di Le caratteristiche comuni contiene nelle diverse regioni dell’Europa occidentale, a volte, lontane l’una dall’altra. Arte luminosa che piega le forme al ritmo di una scrittura malleabile, che privilegia le curve, l’eleganza dei colori e degli atteggiamenti, il gotico internazionale è un’arte cortese, testimonia il gusto di una società principesca per il digiuno e il sapore. A volte, la sua natura internazionale è stata messa in discussione per designavalo solo come uno stile aristocratico, il termine che lo definisce allo stesso modo. Nel Divice Wilton (Londra, Galleria nazionale), giustiziata intorno al 1395 per il re d’Inghilterra, è stato scoperto evidente influenze italiane, francese e bohémien, senza essere decise con la questione della sua attribuzione o della sua origine inglese. Nella storia dell’arte italiana, il termine Tardo Gotico (tardo gotico) è usato per designare l’arte dei primi decenni del XV secolo, mentre, in Germania, il termine corrispondente è “Spätgotik”, traduzione apparentemente letterale dell’italiano, che Si applica alle ultime manifestazioni di questo stile, già alla soglia del XVI secolo.

DIPTICO Wilton e dettagli, per 1395, Master of the Diptical of Wilton (Londra, Galleria nazionale). È una forma di un dittico moderno, che corrisponde alla sensibilità di un’arte cortese: il re Ricardo II dell’Inghilterra è presentato dai suoi santo protettori verso la Vergine con il bambino circondato da angeli. Il pittore potrebbe essere un inglese che sapeva molto bene l’arte dei tribunali francesi. Allo stesso modo, è possibile che il tipo di bellezza della Vergine della Boemia, la Vergine di San Guy, possa essere familiare, (Ricardo II era stato sposato nelle prime nozze con una principessa della Boemia). Il Divice Wilton serve allo stesso tempo di un oggetto di devozione e rappresentazione di royalty.

L’alto livello della cultura pittorica e la precisione miniaturistica del dipinto, può essere visto nella palla che Culmina lo standard, dove l’artista ha dipinto un’immagine dell’isola inglese con un castello bianco. Mostra un’intera ricchezza di dettagli, come i fiori ai piedi della Vergine, i piccoli cervi sui vestiti degli angeli, i motivi dei Broccode dei vestiti da taglio, con le loro pieghe e altri ornamenti che non sono solo dipinti, ma In alcuni posti sono stampati e registrati. Come caratteristica di questo stile internazionale, i punteggi italiani possono anche essere citati.

A giudicare da tutti i dettagli iconografici, questo dittico estremamente raffinato, è stato eseguito nella stessa corte del re o nel suo ambiente per commemorare la sua incoronazione. Il suo eccezionale interesse, è perché ha una caratteristica in miniatura allo stesso tempo per la sua finitura, e l’oreficante dal bagliore del suo fondo in rilievo in rilievo. Il tuo posto fa parte degli oggetti familiari di culto domestico, di cui l’arte parigina ci ha lasciato i migliori esempi. Il re Ricardo II è presentato dai suoi santi schemi: San Juan Bautista, e il San Juan Bautista, e il Santo King Eduardo il confessore, con un anello in mano, e Saint Edmundo, il re feriva la morte per le frecce danese nell’anno 870.

I pittori dell’Europa occidentale erano uniti dallo stesso repertorio formale e dalla stessa posizione estetica fondamentale. In Italia, abbiamo trovato Gentile da Fabrano e Pisanello, a Parigi e Dijon, capitale della Borgogna, Jean Maluel (circa 1365-1419) o Melchior Broederlam (documentato dal 1381 al 1409) e dai fratelli Limburgo; A Londra, l’insegnante del Wilton Diptych (documentato intorno al 1390-1395), in Catalogna, Lluís Borrassà (documentato dal 1380 al 1425) o nella città anseatica di Dortmund, Konrad Von Soest (circa il 1370 – dopo il 1422), il cui importante La personalità dominerà ancora l’arte del West e della Germania settentrionale per decenni. Tutti questi artisti sono riusciti a stampare il proprio sigillo nello stile universale di questo tempo.

Avignone intermedio

La città di Avignone, che accoglie il tribunale pontificio per tutto il XIV secolo Rappresenta il focus della diffusione dell’arte italiana, ma è anche il primo centro in cui sono elaborate le basi dello stile internazionale.L’installazione delle istituzioni papali e dei loro cardinali, le grandi costruzioni intraprese per accoglierli e l’irradiazione intellettuale della Corte Papale, rendono Avignone in quel momento un focus abbagliante su cui si distinguono i nomi di Petrarca e quello dei pittori Simone Martini e Matteo Giovannetti. In quella città, crocevia di percorsi commerciali e correnti artistiche di Nord e sud, saranno progressivamente mescolate e fuse, le fonti formali e stilistiche di una modellazione gotica internazionale con tonalità di Siene, con parasin sinuosi e con un tocco di petrarchismo. L’origine degli insegnanti che lavoravano al Palazzo dei Papas, indovina cosa potrebbe essere il ruolo di Avignone nella diffusione del nuovo stile, professabile da inglese, tedesco, catalano, francese, italiano, fenicotteri. A partire da Avignone, la sinuosità della linea e la cortesia eleganza dell’arte della Seinee, con il suo cromatismo sottile e vigoroso, estenderà la sua influenza non solo fino alla corte di Parigi, ma anche oltre i Pirenei, fino al vicino regno di Aragona. A Barcellona, allo stesso tempo, il pittore Ferrer Bassa ha sviluppato un’arte con importanti contributi italiani, in particolare dei pittori senesi. Si ritiene che la fattura siedesa dell’arte praticata nella Corte della Boemia sia stata portata da Avignone dagli uomini come la Vergine di Glatz, le cui visite alla corte papale sono state attestate. I documenti del tempo indicano anche a noi, che gli artisti italiani partecipevano dai pittori francesi, dai catalani o dall’inglese.

Vista di Avignone, 1409. Miniatura del manoscritto I dialoghi del Pierre Salmon, (Parigi, Biblioteca nazionale della Francia). Dall’inizio del XIV secolo, le patate in fuga a Roma e le loro lotte della loro fazione sono installate ad Avignone. Ma tra il 1367 e il 1377, prima dei requisiti sempre più pressanti di una parte del cristianesimo per ripristinare il papato a Roma, il ritorno della Urban V e dopo Gregorio Xi alla città eterna, piegava un colpo fatale alla proiezione artistica di Avignone.

In quell’ambiente di un’elevata cultura internazionale, diverse tradizioni artistiche sono entrate in contatto, beneficiando in modo reciproco, di uno scambio fruttuoso di esperienze. I dipinti murali che sono stati preservati ad Avignone ci danno un’immagine eccezionale di un tribunale del tempo. Amore per fauna e flora culminati nel bagno di Clemente VI, chiamò una camera di cervo, testimonianza di principesca passione da caccia. I murali combinano temi settentrionali, in particolare paesaggi, con caratteristiche specificamente italiane – modellazione di volti, occhi di mandorle come nei dipinti di Giotto, e la prospettiva dello stagno. Questo primo set conservato, interpretato con un naturalismo descrittivo, anticipa gli sviluppi successivi.

Dettaglio della decorazione della camera dei cervi, 1343, laboratorio del palazzo del palazzo (attivo ad Avignone intorno al 1340) (Avignone, Palazzo di Papi, Torre del guardaroba). Artisti francesi e italiani, come Matteo Giovannetti, lavoravano sulla camera dei cervi situati al quarto piano della Torre del guardaroba, dove Clemente VI ha fatto l’installazione del letto. Le pareti sono decorate con scene di caccia e pesca e altri passatempi di campagna, su uno sfondo affascinante paesaggio. Questo ciclo, che è stato ammirato da Sovrani e alti dignitari che avevano accesso all’intimità del Papa, aveva una notevole influenza sullo sviluppo di un certo tipo di pittura profana, di stile gotico internazionale.

Allenamento Il viaggio

propagatori di nuove forme, gli insegnanti itineranti sono stati esposti anche a nuove influenze. Questo è indubbiamente spiegato da successivi viaggi a diverse capitali artistiche. Modello di libri, che sono come un tipo di notebook di viaggio, testimoniano. Quello di Jacques Daliwe, il cui autore sarebbe originario delle Fiandre, ha tra i suoi probabili fonti, le miniature parigine e il cammeo del re della collezione King of Francia, arazzi di Turnai o di Arras, Dijon e dipinti di Amburgo. Un fattore complementare della internazionalizzazione dello stile è la circolazione dei lavori stessi. Numerosi pezzi di orafi francesi sono presto transitanti da Germania, Italia o Spagna, sia dallo scambio di regali tra principi, o come donazioni alle chiese di pellegrinaggio. Anche il commercio di oggetti di lusso spiega anche la diffusione, all’interno di una vasta area geografica, avori parigini o arazzi di Arras. Pertanto, non è strano che gli insegnanti si siano riuniti in lavori puntuali (cicli di miniature, programmi scultorei), arricchire la loro produzione ispirata agli artisti del luogo.Questo è più o meno apparente, ma i più grandi insegnanti non lo respingono, ma al contrario, vedono in esso uno stimolo per la propria creazione. Nel suo Cristo trasportano la croce, Jacquemart de Hesdin è ispirata da un’opera di Simone Martini, il Museo politico Orsini (Parigi, il Museo del Louvre) dove integrava gruppi di figure direttamente dagli affreschi del pittore Althiero a Verona ea Padova. Jacquemart attribui questi elementi all’interno del proprio linguaggio formale, più pittoresco e un clima di emozione interiorizzata.

Cristo che trasportava la croce, in miniatura sulla pergamena incollata sul tessuto, 1409, Jacquert de Hesdin (Parigi, Museo del Louvre). In questo lavoro, il pittore è ispirato dal politico Orsini di Simone Martini.

Gothic internazionale è rapidamente diffuso e espresso in diversi paesi in forma simile, grazie ai viaggi degli artisti, agli scambi di tutto l’ordine E soprattutto per chiudere le relazioni politiche e culturali tra gli ambiziosi tagli principianti attraverso il continente. Lo sviluppo del commercio internazionale generato intensamente, un’intensa circolazione di artisti e opere d’arte. Gli scambi commerciali erano principalmente marittimi, da Venezia e Genova, da Barcellona, Bruges, Londra, Amburgo. Stai assistendo l’emigrazione dei migliori artigiani o artisti a offrire i loro servizi ai principi. Quest’ultimo sarà quasi i loro unici clienti importanti, dal momento che i loro gusti o il loro hobby di moda, li snellino al ruolo dei clienti. Le università e le scuole continuano ad avere un’importanza di capitale. Vengono create anche nuove università, come quella di Praga nel 1348. Quindi, la stessa struttura sociale nell’Europa occidentale, la stessa comunità di civiltà, una stretta dipendenza economica e l’assenza di confini, spiega e favoriscono la diffusione di un’arte che fa Non essere assolutamente internazionale – l’idea della nazione non esiste ancora – sarà rivelata attraverso l’Europa in un comune, più o meno marcato dalle origini degli artisti, o dai sapori personali della sua clientela principesca.

Il culto di Los Magi, 1421-1422, Lorenzo Monaco (Firenze, Galleria Degli uffizi). I comitati di quel tempo, apprezzavano molto la questione dell’adorazione dei maghi come pretesto dell’ostentazione dei tassi della Corte, come immagine di una società in continuo spostamento, ma anche come possibilità di dare una rappresentazione fedele dei popoli Esotico: Nel culto dei maghi dei maghi di Lorenzo Monaco, è possibile vedere africani, turchi e mongoli vestiti nel loro rispettivo abbigliamento, in particolare i loro insoliti toccati.

Atlas Catalano, 1375, Anonymous Mallorcan (Parigi, Biblioteca nazionale). Questa mappa eccezionale, attribuita al cartografo di Maiorcano Abraham Cresques, è stata data dal re Giovanni I di Aragona a suo cugino, re Carlos Vi Francia. Consiste di dodici foli montati su pannelli di legno. Una volta schierato, offrono una vasta immagine del mondo rappresentato per la prima volta fino alla Cina. Oggetto di lusso e di raffinazione, è anche un campione di gusto della Cortesana.

Arte Cortesan e Amore cortese

Nel 14 ° secolo, i principi hanno impiegato un numero crescente di artisti: architetti, scultori, Pittori, orafi o embroops che tenevano il titolo di “Assistente della fotocamera”. Questo non ha coinvolto solo una particolare funzione, ma ha indicato che avevano una gamma nella casa del principe e ha ricevuto una pensione, lasciando libero di eseguire altri ordini. Questi artisti facevano parte della Corte e adottavano il loro spirito e la loro dogana, a cui, senza dubbio, sono dovuti alla raffinata arte del tempo. Le miniature dei fratelli Limburgo nelle ore molto ricche del loro patrono di Jean de Berry, sono un riflesso di questa vita di corte condivisa. Il frontespizio di un libro di poesie commissionato a Christine de Pisan o Pizan per la regina Isabeau della Baviera, mostra uno dei luoghi in cui si sviluppa questa vita squisita e cortese. L’arte della miniatura è stata anche molto apprezzata dal borghese, che in alcune città (Bologna, Strasburgo, Colonia e le città commerciali della Germania del Nord), erano i suoi principali comitati. Il suo linguaggio iconografico era anche molto accessibile, fino all’antico studioso ed ermetico, coltivato nel Rinascimento, divenne un’arte elitica.

Christine de Pisan presenta il suo libro a Isabeau de Baviera, 1413, Fronconspicio delle opere di Christine de Pisan (Londra, British Library).In questa miniatura è possibile vedere la lussuosa sala dove la regina, circondata dal tuo tribunale da donna, accoglie l’autore del libro.

Offerta del cuore, verso il 1400, tappezzeria, lana e seta, (Parigi, Museo del Louvre )

La Corte, tuttavia, ha stabilito le linee guida. I suoi simpatisi sono stati ritirati da questioni letterarie, come la poesia lirica e i romanzi di cavalleria, le mutazioni dei sentimenti amorevoli e l’uso immoderato di allegoria, che divennero personaggi autonomi o oggetti concreti. Era quasi nel suo senso, che l’amante offriva il cuore a sua signora. L’amore allegoriato è stato licenziato. Su questo punto, la mitologia e la letteratura cortese ricordavano, quella che arricchisce l’altra. Ovidio era l’autore più stimato, e Christine de Pisan lo ha preso in prestito per il suo epistle di Othea. La letteratura Troubadour sui vecchi Fin’Amors o dall’amore Corté, aveva finito impregnando la dogana. Il linguaggio corretto per quello stato dello Spirito è stato civilizzato, misurato, elegante; L’arte che corrispondeva dovrebbe soddisfare le stesse qualità. La preziosità dei gesti ha tradotto quello dei sentimenti. Il vestito, molto attento, corrispondeva alla moda cortigiana. Nel giardino eterno del poeta, le stesse scene seguirono: Primo incontro, scambio di indumenti d’amore, malinconia degli amanti, anche se la storia spesso si è conclusa in amore impossibile.

Apollo e DAFNÉ, 1406- 1408, Miniature di L’Epistola di Othea di Christine de Pisan (Parigi, Biblioteca Nazionale della Francia)

Il pittore ufficiale era responsabile dell’immagine del suo Signore e dell’ambiente aristocratico e raffinato che lo circondava. I compiti di ciò dovevano eseguire i ritratti del suo protettore e dei suoi cortigiani, per svolgere i cicli di affreschi nelle residenze più importanti, alle altariant di vernice o ad altre tabelle destinate a evidenziare le qualità o glorificare la famiglia prevalente. Queste attività si alternano con altre occupazioni effimere: preparazione di feste e tornei, realizzazione di decorazioni teatrali, esecuzione di banner e pendenti ornamentali, concezione di mobili diversi, design di abiti e accessori, illustrazione dei codici con miniature, mappe marittime, produzione di modelli per Scudi, armature e valute araldiche, giochi di carte e vari oggetti, nonché i preziosi doni inviati ad altri tagli come l’ammirazione o gli oggetti di emulazione. Il pittore è stato anche affidato l’organizzazione di eventi e cerimonie ufficiali, come banchetti solenni, ricevimenti e ricevimento di visitatori nobili. In sintesi, un creatore con più sfaccettature e proteiforme, all’interno di un campo d’azione straordinariamente ampio, che è essenziale per il lavoro di squadra e l’organizzazione di un laboratorio polivalente, in grado di dominare le diverse tecniche e materiali. A Milano, nel tribunale dei Visconti, i fratelli Zavattari, con grande pompa e grazia amnnervant, adornati una cappella della Cattedrale di Monza con affreschi che rappresentano problemi profani.

La storia di teodolinda: l’imperatore Costantino raggiunge l’Italia, la fresca, il 1440-1450, i fratelli Zavattari (Monza, Cattedrale). In questa scena internazionale in stile gotico, il viaggio di Emperor Constantino II Heraclitus è riportato come evocato nelle cronache del diacre di Paul e Boncontro Morigia. Il Comalanda del Affresco è Filippo Maria Visconti, Duca di Milano, ma il ciclo sarà terminato al momento della Sforza. Il fasto è uno stile cortese. Theodolininda è stato rappresentato come una principessa di Treno che vive in un ambiente raffinato, come indicato dall’abbondante uso dell’oro.

L’uomo astrologico delle ore molto ricche del duca di Berry, 1413-1416, fratelli Limbourg (Chantilly, Condé Museum). Intorno alla scena centrale della miniatura, le figurazioni eleganti dei segni dello zodiaco adornano la rappresentazione approfondita di un calendario perpetuo, condotto con precisione e gusto per la fantasia. I simboli zodiacali sono stati posizionati sulle parti del corpo che sono considerate sottoposte all’influenza degli Astros corrispondenti a ciascun segno. La rappresentazione delle due figure nude contro la schiena, anche se piena di fantasia, è concordata con l’anatomia concreta, che conferisce alla miniatura una forma di ambiguità magica. La miscela di realtà e fantasia è una caratteristica essenziale del gotico internazionale.

Più della famiglia e partiti religiosi che costituiscono la vita cortese, è un partito profano che ci fa scoprire la cortese immagine di alcuni principi che celebrano il bellissimo mese di maggio, il ritorno della primavera. Il calendario delle ore molto ricche mostrarli a cavallo, la testa stretta con fogliame, accompagnando le signore al figlio dei fanfares, o in sella a un ramo solitaria, una florida in mano. L’immagine di così tanta eleganza e cortesia potrebbe sembrare artificioso e banale, ma la dolorosa tristezza dei gemelli del segno dello zodiaco nello stesso calendario, è il suo contrappunto. L’eleganza dell’arte e dei modi, non poteva dimenticare la durezza di un tempo di guerre.

Il mese di maggio, calendario delle ore molto ricche, 1414-1416, fratelli Limbourg (Chantilly, Condé Museum)

Lo Spirito cortese va a fare un considerevole Influenza su tutta l’arte del tempo e anche in arte religiosa. Il donatore o il donatore si inginocchiano ai piedi della Vergine della Maestà, nello stesso modo in cui l’amante si inginocchia davanti alla sua signora o al gentiluomo prima dell’amore di Dio. Se lo scopo cambia, la composizione del tutto e la delicatezza del disegno sono Simile. Le linee sinuose e le droghe sottili appartengono anche a questa corrente, così come i volti giovanili, i magnifici vestiti, i gesti educati e le dita straordinariamente affilate. La miscela di dolcezza e giovani, linee divertenti, di tessuti flessibili di colori ricchi, la bellezza dell’oro incisa e il pavimento coperto di fiori di primavera, forma dal fascino dei pannelli di devozione privati, e le sue piccole dimensioni li rende l’incarnazione del lusso supremo .

Coronazione della Vergine, del 1410 (Berlino, Gemäldegalerie)