Jean Fouquet (Italiano)

retraeteditar

ritratti, parte base del tuo lavoro artistico, mostra la tua capacità di catturare la personalità del ritratto. In questa epoca il ritratto, che fino ad allora era un genere inconvenuto, cominciò a diventare un grande stile. Fino ad allora era eminentemente religioso e cominciò a diventare profana. Cominciò a riprodursi a ritratti alla ricerca della sua personalità psicologica.

Nel ritratto del re Carlos VII, ha dipinto il personaggio di fronte e circondato da tende. Seguì in questa tradizione francese di dipingere il re senza gli attributi del suo grado e senza apparire come una figura intermedia di donatore, formula che era già usata un secolo prima nel ritratto del re Giovanni II. Il risultato è una figura di influenze flamenco con un’analisi molto dettagliata del viso. Il regno di Carlos è stato uno dei più complessi della monarchia francese. Inizialmente rispose, ha dovuto riconquistare il paese all’inglese e ha avuto un ruolo importante nella riorganizzazione dello stato. Anche così, l’artista lo ha ritratto privo di attributi reali, anche se ha ampliato la larghezza delle sue spalle per presentarlo più maestosamente. Secondo Benazit, è più probabile che sia una delle sue opere più antiche, prima del viaggio in Italia. Questo critico afferma che il ritratto del re ricorda il ritratto di Arnolfini (Van Eyck), e questo è dipinto in quell’atteggiamento di preghiera con cui il fouquet ha dipinto tutte le sue figure. Ha anche sostenuto che tutti i suoi altri dipinti conoscevano il Quattrocento italiano e questa è l’eccezione.

Nel ritratto di Jester Gonela, dipinto in Italia, ha presentato la figura in primo luogo, lasciando una grande parte della figura fuori dal dipinto e concentrandosi Tutta l’attenzione sul viso, con ciò che è riuscito a trasmettere magistralmente la profonda umanità del personaggio. Otto Pacht ha mostrato che questo ritratto del Jester, attribuito da molto tempo a Van Eyck e anche a Brueghel, fu dipinto da Fouquet.

Nella copia del ritratto scomparso di Eugenio IV, tenuto a Roma, presenta il carattere della metà del corpo e l’attenzione dell’artista si è concentrata sulla trasmissione della psicologia dell’uomo, potente, assorbito ed energico.

Nel suo autoritratto, 1450, siamo mostrati con una giovane faccia Leggermente inclinato con un aspetto sicuro e diretto saldamente lo spettatore. È un rame smaltato di 6,8 cm di diametro che rivela che conosceva altre tecniche pittoriche. Questo round faceva parte del dittico di Melun e dimostra che era consapevole dell’importanza del dittico. Gli studiosi vedono in questo ritratto un uomo che si considerava umanista.

Verso il 1465, dipinto il ritratto di CanCiller Guillaume Juvento des Ursins. Si tratta del lato sinistro di un diotto o di un trittico devozionale, la cui parte destra è stata persa. Lo presenta in un atteggiamento tenero. La figura ha un grande volume ed è in postura obliqua in tre trimestri. Il ritratto è diverso da quello di Chevalier, perché anche parte di un dittico e trovarsi nell’atteggiamento della preghiera, non appare più accompagnato dal suo santo patrono. L’aspetto religioso è scomparso dalla foto. Si è preoccupato per primo di trasmettere l’onestà e l’aspetto di una brava persona. In secondo luogo, ha sottolineato le caratteristiche che lo mostrano come un alto funzionario del regno. Il ritratto era una persona di alto rango, aspetto che il pittore abbia dato molta importanza. Abbigliamento, la borsa alla cintura, il cuscino e i pilastri d’oro della grande ricchezza trasmettono questo istanza.

Dippical of melondendartar

Nel 1450 ha dipinto il dittico di Melun, commissionato da Étienne Chevalier. In entrambi i tavoli ha fatto un compendio delle modalità flamenco, italiane e gotiche. Pertanto, i dettagli del trono e la corona della Vergine sono fenicotteri, le figure monumentali di Etienne de San Esteban e l’architettura con una prospettiva passiva sono italiane. Tuttavia, il ritratto di Chevalier è il flamenco, Los Angeles sono gotici e la composizione è rinascimentale.

Nella tabella a sinistra, il donatore è in Preghiera, protetta dal suo santo patrono, Santo Stefano, con abbigliamento da diacono. Sopra il libro, Saint Stephen porta una pietra a punta indicando che era lapidato.C’è un importante trattamento di luce, in contrasto con luci e ombre, e il modo in cui quelle figure sono nello spazio reale, che è chiara influenza italiana. Tuttavia, l’interesse che cattura i tessuti, i marmi, la pelle, si riferisce all’influenza fiamminga di Jan Van Eyck.

Il realismo di questo tavolo contrasta fortemente con l’altro pannello del ditticeco, dove è Gestisce di creare una composizione molto idealizzata che sembra irreale, e con luce di nuovo, che svolge un ruolo importante. L’atmosfera celeste si trova di fronte al terreno. La Vergine appare come una donna molto bella ed elegante, una pelle bianca e perfetta e un fronte molto largo. Ha una mano di un esercito e il seno nudo sinistro ha a che fare con il ruolo di Maria come infermiera dell’umanità. Il trono e la corona sono adornati con perle e gemme. Gli angeli sono disposti in modo che ogni faccia sia in una posizione diversa: quelli blu sono cherubini e i rossi sono Serafini, secondo i genitori della Chiesa. Los Angeles monocromici, rosso e blu, contrastamente con il bianco vergine marmo bianco. Come Virgin appare Agnès Sorel, amante del re Carlos VII, di cui Chevalier era un amico eazionaria albacea. Si diceva che le bellissime Agnès era la donna più bella in Francia. Il dittico è stato organizzato nella cappella funebre di Agnès Sorel nella Cattedrale di Melun, con l’intenzione di facilitare il suo ingresso al regno celeste. Tuttavia, è anche un motivo di polemica che è Agnès Sorel, perché, anche essendo una tradizione molto antica, ci sono coloro che difendono che è la moglie del pittore, Catherine Bude.

Critica punta al contrasto Tra la consistenza bianca e splendente della vergine e del bambino, gli angeli monocromatici rossi e blu e i tenui colori di Chevalier e Santo Stefano. Contrasta anche la disposizione frontale della Vergine e del Bambino con le figure del profilo del donatore e del compagno. Infine, si distingue l’amalgama dei stili gotici e rinascimentali, nordici e italiani. I due pannelli sono stati venduti separatamente durante la rivoluzione francese, attualmente trovando la tavola sinistra presso la Gemäldegalerie di Berlino e il diritto al Museo delle Belle Arti di Anversa. Dal Dittych arriva anche il piccolo Tondo (immagine rotonda) con il autoritratto dell’artista, ora nel Louvre.

Pietà di nonusship

di 1470-1480 Panta di verniciatura dipinta, realizzata in formato grande (146 cm x 237 cm). È il lavoro fondamentale della fase finale della sua carriera. La perfezione di come vengono ordinate le cifre è chiaramente rinascimentale. Potrebbero aiutare nella realizzazione di questo dipinto i loro figli, Louis e François, stimati che sono intervenuti nel loro laboratorio nell’ultima fase della loro produzione.

Questa grande immagine differisce dal resto della sua produzione ed è necessario. Compreso che questo lavoro monumentale è dovuto a un miniaturista. Certamente il lavoro ha alcuni difetti dovuti alle grandi dimensioni del dipinto, ma il lavoro dovrebbe essere considerato come uno dei più belli del pittore. È una pietà diversa. Qui la Vergine con la sua sofferenza non occupano il tema centrale dell’immagine in quanto può essere nella Pietà di Avignone e la composizione non è centrata sulla Vergine. La Vergine contempla il Cristo che due discepoli metti davanti a lei. San Juan contempla anche la scena con un atteggiamento protettivo nei confronti di Maria. Quattro donne e altri due discepoli seguono eventi eccitati. A destra è il donatore accompagnato dalla santa Santa Santiago, quindi il donatore doveva essere così ciao.

La somiglianza dei due discepoli che portano a Cristo sono disegnati. È probabilmente lo stesso modello dipinto in posizione diversa. L’eccitazione contenuta e la sofferenza di tutte le figure è forse l’aspetto principale del dipinto. Vale anche la pena ricordare il ritratto del donatore, spesso indicato come uno dei suoi migliori ritratti. Il rivenditore nelle mani del donatore, di Maria e una delle donne, è paragonabile alle mani di Chevalier nel ditticeco o quelle del ritratto di Junén.

miniaturaseditar

era anche un illuminatore e miniaturisti che hanno raggiunto una precisione squisita nella rappresentazione dei dettagli e che combinavano raffinati lineari francesi e senso volumetrico italiano.

Hourbook da Étienne Chevaliereditar

Hourbook da Étienne Chevalier
Condé, Museo di Chantilly.
Tempera About Pergamino

Il vero tesoriere ha commissionato il suo libro di ore da Étienne Chevalier, che è considerato il suo capolavoro per il suo eccellente miniatures. Realizzato tra il 1452 e il 1460, il fouquet è distaccato nella forma tradizionale di illuminazione medievale. Elimina gli ornamenti e occupare l’intera pagina girando la miniatura in un dipinto. Quando si applica le nuove tecniche, ha rinnovato l’arte dell’illuminazione. Prospettiva di prospettiva, giochi di luci e colori, architetture idealizzate del Rinascimento nelle rappresentazioni antichità e applicato il naturalismo nell’interpretazione dei temi tradizionali. Tutti i fogli hanno lo stesso formato di 16,5 cm x 12 cm. Sono stati eseguiti su una tempera sulla pergamena. Alcuni di loro erano in cattive condizioni e hanno richiesto misure speciali di conservazione.

nelle riproduzioni fotografiche delle prime due foglie, affrontate come un dittico, viene proposta di nuovo del diptyle di melun. La rielaborazione mantiene alcune proposte e modifica gli altri. Pertanto, le figure principali sono mantenute: Étienne è praticamente una copia, Santo Stefano è in ritardo dalla preponderanza a Chevalier, la figura della Vergine non è più Agnes Sorel, ma ha anche scoperto il Bosom; Anche se in questo caso si sta allattando Gesù. La modifica di questa versione è che le due parti formano la stessa stanza. Questo estremo è osservato nella continuità delle pareti del palazzo, sul marciapiede, nella disposizione di Los Angeles e nel mantello rosso di Maria che invade leggermente il lato sinistro. Implica che Chevalier abbia raggiunto il regno celeste e per quella ragione lo circonda dagli angeli. Le figure principali non appaiono più frontali e in mondi diversi, ma li relazionano, mettendoli di fronte agli altri. L’artista tributa quindi il suo miglior mecenato in un libro per uso privato.

integrato gravemente elementi di politico o architettonico. Ad esempio, ha trattato Carlos VII come uno dei saggi o usato francese decorato in episodi biblici. In questo modo, è pienamente incorporato nelle idee del Rinascimento, presentando l’uomo nella sfera del divino e avvicinandosi a Dio agli uomini.

Nel foglio di Epifania, unito a una storia biblica Storia della Francia. Gaspar, rappresentato da Carlos VII, ama Gesù. Il re è chiaramente distinto dal suo viso e dai suoi vestiti. Il tappeto con il simbolo del fiore di Lys su cui si inginocchia il re della Francia, è prolungato nel vestito della Vergine, unendo l’episodio biblico e la storia francese. I soldati formati accanto al re indicano che Carlos VII mette il suo esercito a disposizione di Cristo. Il messaggio che viene trasmesso è che la Francia diventa il regno preponderante del cristianesimo. Sullo sfondo vedi la fine di una battaglia tra il francese e l’inglese. Cristo è con la Francia e la vittoria proviene dalle truppe francesi della guerra dei cento anni.

Nel foglio dell’Annunciazione, dove gli specialisti avvertono l’influenza di Mray Angelic, un momento di cui ci sono una moltitudine di iconografie: “Archangel Gabriel ha detto a María: … e ti concepirai nel tuo seno e parcherai un figlio che chiamerai Gesù … Mary ha risposto: come sarà?, perché io non conosca il maschio … e rispose all’angelo: lo Spirito Santo ti verrà su di te, e la virtù del più alto farà un’ombra, il Santo che sarà nato sarà chiamato figlio di Dio “. Il raggio di luce e piccione simboleggia il momento descritto. A quel momento, Maria è stata accordata comodamente. Maria è rappresentata nell’atteggiamento modesto e pioso (“Ecco il servo del Signore”. – Vangelo di San Lucas). Sembra con un libro aperto e, a volte, un libro chiuso che è il nuovo e il vecchio testamento. La Vergine è nella nave centrale di una cattedrale gotica. L’edificio è rappresentato con precisione e la chiesa è inondata di luce. Sia l’architettura che la luce hanno una funzione simbolica: la Vergine appare come una madre della Chiesa e identifica con la Chiesa stessa.

La Chiesa rappresentata nel foglio è la cattedrale di Bourges. L’intera prospettiva perde in un punto, nel centro del dipinto, che coincide con la statua di Mosè con i tavoli della legge. La coincidenza del colore blu del vestito della Vergine e dell’altare è osservato.Nel prossimo foglio, la venuta dello Spirito Santo, preservato al Metropolitan Museum di New York, ha collocato l’episodio del Nuovo Testamento su fedeli che prega in un paesaggio parigino, mostrando il Ponte di San Michel sulla Senna e la facciata di Notre Dame .

In foglio i funerali di Étienne Chevalier, il pittore ha anticipato i funerali di questo personaggio. Quattro monaci di ordini mendicanti portano la bara di Étienne Chevalier alla chiesa, accompagnata da portatori di torce. In primo piano, viene visualizzato un portiere che ha un rotto. È possibile che il fouquet rappresenterà le architetture delle diverse destinazioni di Chevalier: una torre italiana è apprezzata a sinistra, una chiesa e un campanile inglese al centro, e il Louvre Torretas de Paris sulla destra.

Le ore del libro di Etienne Chevalier è stata separata e distrutta intorno al 1700, le illustrazioni su 47 compresse di legno che cavalcano. Oggi questi sono tenuti sparsi in sei diversi musei anche se la maggior parte di loro, quaranta foglie, soggiorna al Condé de Chantilly Museum. Le immagini allentate sono nel Museo Metropolitan di New York, Museo Marmottan-Monet a Parigi, ecc.

Great Chronicles of Francedet

Nel 1458, lo commissionarono a illustrare i grandi cronici della Francia, forse il destinatario era lo stesso re. Impiega tecnicamente uno stile più francese con meno influenze italiane. Appaiono sul fondo delle ville che conosce bene, come tour, Orleans e Parigi.

rappresentato le immagini in cui ha esposto la monarchia e dove è stata evidente la propaganda: momenti storici favorevoli e biglietti trionfanti nelle città. Il fiore di Lys, Emblema della Casa Valis, appare ripetutamente. Nel primo foglio, il 5 giugno 1286, Eduardo I dell’Inghilterra, regala omaggio al re della Francia, Felipe IV il bello, in presenza della corte. Quest’ultimo era un politico realistico che ha favorito la formazione di un pensiero di stato. Guyena e Gasono, in Francia, erano ancora beni feudali di Eduardo I ed è per questo che il vasalage è dato al re francese. Più tardi entrarono nella guerra tra loro. Nella seconda lama, Carlos V, il saggio, entra nel trionfante a Parigi attraverso il cancello di Saint-Denis, dopo essere stato incoronato a Reims il 19 maggio 1364. Era un re importante per la Francia, la guerra di cento anni e Circita di ripristinare l’ordine nel paese e rafforzare il prestigio della monarchia.