ragtime.
Le score de Limmera Ragtime a été publié en 1897 et son auteur du musicien blanc William H. Krell, bien que depuis de nombreux chiffons dorés dans les spectacles de Mintrel, confus avec les cacadecks. Bien que, à certaines occasions, il est inclus Ragtime dans la ligne directe de Jazz, comme la première manifestation, la vérité est que « c’était plutôt un buisson d’activité qui a fini par être absorbé par le jazz en fonction de la musique, ils se développaient ». Le chiffon de la grande figuration était Scott Joplin, dont le métier de toucher est connu pour être transféré à profusion des rouleaux de pianola, bien que joué avec des bandes. En plus de JOPLIN, des pianistes Ragtime, Fueron Tom Turpin, James Scott, Louis Chauvin ou Eubieblake. Au cours du dernier tiers du XIXe siècle, et en raison d’une série de facteurs sociaux et économiques très similaires à ceux qui conduiraient à la naissance jazz dans La Nouvelle-Orléans, développée dans la ville de Sanluis, Missouri, un style musical, éminemment (bien que pas toujours, surtout au début des débuts), qui s’est rencontrée comme Jig Pianostyle et, plus tard, à partir de 1879, Ragtime, Esdecir, rythme brisé ou syncopard . Son rôle dans la formation du désazazz primitif est fondamental. Le style de piano était caractérisé par un marquage rythmique rigide et solide avec la main gauche, tandis que la droite de la mélodie, très syncopée, avec des influences du banjo rhymmand des plantations sud des États-Unis settrat d’une musique « composée », c’est, Non improvisé et condamné des voies classiques telles que la mini-ouest, organisée en plusieurs parties de 16 boussoles, dont le thème mélodique pourrait être totalement indépendant. Cela a conduit de nombreux auteurs à considérer que «Ragtime» est l’un des premiers exemples de musique spécifiquement américaine.
Nouvelle-Orléans (1890-1910)
Même la période de la fin de la guerre de sécession à Elfin du XIXe siècle, il y avait déjà des groupes qui ont déjà joué quelque chose de similaire mais que Jazz rudimentaire, comme ceux des cornets Sam Thomas, Louisned, James L. Harris ou Robert Baker ou le groupe qui jouait dans les écuries de Kelly de La Nouvelle-Orléans, offert à Buddy Bolden comme première grande figure et l’Elinierter du premier style défini de jazz.
classiquement, il s’appelle « de la nouvelle Orléans » à ce formulaire de jazz initial. A toujours détaché des influences du ménestrel et contient toutes les caractéristiques du chaud. LasimProvision, dans le sens qu’aujourd’hui, nous les connaissons, n’existait pas; En fait, les solistes ont élaboré de longues variations mélodiques sur le thème principal (généralement intégrées par deux chansons différentes), dans des tempos très rapides ou médiatiques, jamais rapides. Les bandes étaient ambulantes et elles préféraient interpréter des spirituels, Ragimes, Yachts Marches d’origine afro-cubaine. Le son et le poids conceptuel de la musique sont déchaînés dans le cornet, qui était celui qui a développé les mélodies, soutenu par le trombone et la clarinette, qui ont élaboré des variationsImflowlowers sur la mélodie de base. C’est ce que Peter Clayton appelle « la dernière trinité du Jazz de la Nouvelle-Orléans ». Le reste des instruments (généralement banjo, tuba, boîte et battage médiatique, bien que progressivement la double basse, le piano et la batterie) avaient une fonction simplement rythmique. Étouilles Le violon a été utilisé comme complément dans la section démétalité.
ESUNA School de bandes célèbres, tels que Johnny Schenk (1893), Lade John Robechaux (1895), celle du Cornetist Freddiekeppard (1900-19909 ), et d’autres de renommées historiques telles que la bande Onwardbraass, la bande d’aigle ou le groupe de laiton Tuxedo Band Deltrèsta Papa Celestin, il avant le changement du siècle. Ils mettent également les bandes de la Cornetista Papa Mutt Carey, qui est réputée comme l’Elintroducer du « Desatanador » Sordine (Plunger) et son effet typique de Wah-Wah, et que j’avais Sydneybechet dans la clarinette; La bande de Lorenzo Tio, ou l’orchestre d’origine, etc.
Dixieland (1910-1920)
Les chiffres suscepticipes étaient, dans une première fois, la Corneta Papa Jack Laine, quelle réputation le « père de la Dixieland »; El Rocca Elkrapseta Nick La Rocca et sa Jass d’origine; La Louisiane cinq de Anton Lada; le thromboniste Edward « enfant » ory; ou les «Nouveaux rhythms rhythms» de la Cornetista Paul Mares. Dans les années 40, la Dixieland a bénéficié d’un puissant renouveau, obtenant des groupes de réussite mondiaux tels que les ducs de Dixieland, des franco-frères et du Fred Assunto, et même aujourd’hui ce jour-là sont des bandes avec des noms comme rance que « Tuxedo Jass Band » U « Band de jazz ».À petit début du XXe siècle, les pauvres Blancs et Criollos du Delta du Mississippi ont commencé à s’intéresser au chaud et son influence produit des raisons de jouer des bandes de la Nouvelle-Orléans: ils ont libéré les improvisations, les tempoes ont été renforcées et Signateur rythmique moins « africain ». Le nouveau style était « moins expressif, mais avec des ressources techniques plus importantes », avec des mélodies polies et des harmonies « propres ». De plus, le piano et le saxophone ont été introduits et de nouvelles techniques instrumentales ont été développées, telles que le style de tromboniste haygate.
Chicago et Newyork Jazz (1920-1930)
Elcierre par les autorités De la Nouvelle-Orléans du quartier de Storyville en 1917, c’était un revers important pour la plupart des musiciens de jazz de la région, car presque tous les emplacements de musique locaux étaient concentrés dans ce quartier de loisirs. Ce fait a commencé la grande migration des musiciens savazzers vers les villes du nord et surtout en direction de Chicago, qui a apprécié une vie nocturne mouvementée, avec un puissant blues et ragtume, d’une décennie auparavant. King Oliver, Louis Armstrong, Sydney Bechet, Jelly Roll Morton ou Johnny Dodds, parmi beaucoup d’autres, passa dans la « ville du vent » et leurs premiers disques là-bas, au début des années 1920.
eletelle de Chicago a été élaboré à la suite de la conjonction de losmusiques noirs de la Nouvelle-Orléans et des jeunes étudiants et amateurs blanchisseurs, et signifiait des changements importants même dans l’instrumentation typique, au début du saxophone. Un bon nombre de musiciens de grand La pertinence est représentative deletile: erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Manone Wingy, Pee Wee Russell, ou, comme figurine plus pertinente, Bix Beiderbecke.chicago a développé un style plus brut et dynamique, avec une brève langue andlaconicienne, peu propicable d’ornements , Économique dans les ressources, baigné « dans une unaatmosphère exaspérée, d’un dynamisme chauffé, une tension chaude rigide ». Elsonido a perdu la plasticité en ajustant le réglage par l’influence des losmusiques blanches et en abandonnant la désynchronisation de la rythmique africaine, mais au contraire, le concept d’improvisation individuelle et de mélodies parallèles, laissant les passages polyphoniques pour le cycle final (chaussette chorus). Thématique Themateland tendait à l’abandon des chiffons et des pompiers et des bleus durables et de l’influence européenne, avec des arrangements musicaux écrits. En fait, cette fois-ci est l’explosion du soi-disant « Blues classique », des conartistas tels que Bessie Smith, qui se sont entourés de bandes de jazz dans la substitution traditionnelle de la guitare et du piano uniquement.
tôt tôt, Jazz a également été introduit à New York, initialement à travers les pianistes qui ont joué à Ragtime et à Boogie Woogie de Honky Tonks, comme James P. Johnson, Willie « The Lion » Smith ou Luckey Roberts, mais Merci également à des bandes, telles que Jimmy Reese Europe ou « Les Memphisstudents », dirigées par Dixon et Marion Cook, à l’époque dès 1905. Les SoméanAutores soulignent également le rôle de musiciens comme Nick La Rocca Oel Drumper Louis Mitchell, à l’origine De Philadelphie, eut sur l’extension du jazz à la suite. Cependant, le vrai style de New York, ou Highbrow, comme on l’appelait à l’époque, a commencé avec l’orchestre par Fletcher Henderson, dans lequel ils ont touché toutes les figures de jazz des années 1920. Ce serait précisément Henderson qui a mieux représenté le nouveau Forme de jeu de jazz stylisé, moins localisée et plus universelle », a réalisé la base d’une formule de transaction qui réside dans des orchestrations précédemment et écrites pour des ensembles dont le nombre d’instruments n’a aucune polyphonie possible». Mais la New York School a donné un nom de plus projection, Duke Ellington, de Washington D.C., qui a atteint une grande gloire avec des appels de sites à la Harlem Cotton Club. Les colons de style important étaient les nichols rouges de Ysus « Cinq pennies », les cueilleurs de coton de McKinney de William McKinney et Don Redman, ainsi que la vague de pianiste Sam Sam Wooding du Denament Panamanien, Luis Russell.
Nouveau elestile York , avec l’impulsion qui supposait que les grandes bandes était la multiplication du développement de jazz à la fin des années 1920, conduisant à la balançoire.
L’ère Swing (1930-1940) /p>
Enel dernier tiers des années 1920, les styles de deux batt ont épuisé leurs possibilités de se développer, tandis qu’à New York, une nouvelle formade était en cours de développement, qui a été consolidée avant tout à la suite de la migration des musiciens de Chicago vers la « ville de chariots « .Les bandes de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford et Poussin Webb, étaient celles qui ont marqué le cours de ce nouveau style dont le continent était la formation de grands orchestres, les grands bandes.admás, ont contribué de nouveaux éléments concernant la tradition chaude: la Conversion des rythmes à deux temps (deux battements) à des rythmes réguliers de quatre accentrithmiques par boussole; l’utilisation, en tant que ressource de tension, du riff, la phrase coupée avec le crescendo final; La prédominance des passages mélodiques interprétés droit, c’est-à-dire en fonction du pointage; l’extension du phénomène « soliste »; La réévaluation des bleus; etc. Ce processus ne s’est pas développé exclusivement à New York, car, à d’autres endroits, la ville de Kansas a eu lieu une évolution similaire dans les grandes bandes Comolas de Bennie Moten ou Count Basie.
Estletile prend son nom de l’une des caractéristiques Du nouveau jazz: la balançoire comme élément rythmique. Une opération commerciale des agents de Benny Goodman a été traitée, qui a dirigé l’un des groupes les plus populaires de l’époque, en la désignant comme « roi de swing ». Cela a conduit au public, mais aussi beaucoup de nombreux, de croire que « Swing » était le genre de musique qui faisait cette bande, consolidant le nom. Certains groupes de l’ère ont atteint un énorme succès populaire et des ventes, générant une substantine de substitution que, à long terme, finiraient par la performance des possibilités de développementLodelswing: Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey … Cependant, non toutes dérivées de cette route, et certaines d’entre elles ont déclaré les bases des grands changements conceptuels des années 1940, Stan Kenton, Lionel Hampton ou Jay McShan.
Le swing était, en outre, un riche Style dans de grandes improvisatures, dont beaucoup étaient vraies, Instruments respectifs Ensus Canon: Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Gene Krupa, Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny Carter, Rex Stewart, Harry Edison Ymuchos. C’était également, en parallèle, un style qui favorisait la projection des chanteurs, en particulier des chanteurs féminins: elle Fitzgerald, Ivy Anderson (qui a perfectionné presque douze ans dans le groupe ellington, à partir de 1932), Billie Holiday, Juin Christy, Anita ou «jour, Lena Horne ou Peggy Lee. Certains de ces instrumentistes ont été décisifs dans le processus qu’il a pris de la balançoire pour être Bop Yal Cool, mettant en évidence parmi eux le Roy Eldridge Eldersseta et le saxophoniste Lester Young.
Bebop (1940-1950)
tourné a été tourné, le jazz était connu et apprécié tout au long de Elmundo, reconnu même par des compositeurs classiques de la taille de Stravinsky. Cependant, le terme swing a connu une mauvaise réputation parmi eux des musiciens: il a été considéré que Seuls les professionnels plus talentueux offrent ce type de musique commerciale, de sorte que les musiciens les plus « sérieux » – comme le duc Ellington – s’éloignaient du style. Le déclin des grandes bandes déswing Diolugar à un nouveau type de musique radicalement différente, dont les seules caractéristiques félicitées étaient composées d’une instrumentation similaire et dans l’intérêt pour l’improvisation.
losmusics bebop pontenel accent sur le papier solo, dont Le papier n’était plus que d’Entitainer Deépocas a passé, mais un artiste créatif au service seulement de sa propre musique. La caractéristique de syncquetan de la balançoire était assommée de favoriser l’interprétation des mélodies; La section rythmique a été simplifiée, ne le relégalise qu’à la double basse – qui a grandi de manière importante – et sur la batterie, – qui reste sur le côté du rôle de Santo de simple métronome – augmentant avec elle la liberté de bétis et de bactéries; Les dolsences, les PolitRomos, les nouvelles palettes tonales et une phrase plus irrégulière ont été introduites; La mélodie de l’improvisation a été abandonnée et le format porel de grande bande de combo, formé par très peu de musiciens; et Seadortó, même un look caractéristique dans lequel il ne pouvait pas entendre chapeau, lunettes de soleil et bouton.
Style Elnacion a eu lieu en 1941 lorsque Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Monk Thelle et Kenny Clarke Sereunon à la Playhouse de New York Minton pour une série de concerts informels. Dizzy Gillespie futuno des dirigeants du Mouvement, avec un style de trompette qui résume sommairement les caractéristiques de la nouvelle musique et une série de sujets est devenue une partie du répertoire de base des musiciens du BOP, tels que « une nuit en Tunisie » ou « sel Cacahuètes « . Charlie Parker était un autre grand père du Bebop introduisant une nouvelle langue d’improvisation, prolongeant le rangorithmique mélodique et jazz à ce moment-là, et avec un style émotionnel et surprenant qui a été immortalisé dans des classiques comme « Suite Yardbird », « Ornithology », « Donna Lee « , » Billie’s Bounce « ou » Anthropologie « , entre autres.
Les autres d’importance dans le style étaient les saxophonistes de Gordon Dexter, qui a adapté le style de Parker avec le Haut au ténor Saxus et Sonny Stitt; les graisses de trompette Navarro; Les thrombonistes JJ Johnson -Il ont cuit la langue de Bop à la trombone – Benny Green ou Kai Winding; Les pianistes Bud-Powell, le moine Thelonous, Lennie Tristano, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erll Garner, Herbie Nichols ou Tommy Flanagan; Las Deslayososcar Pettifond ou Paul Chambers; Les batteurs Kenny Clarke ou Max Roach; ou chanteur Sarah Vaughan. Dans le champ de grandes bandes, certaines d’entre elles, telles que celles de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton ou Stan Kenton, savaient adapter sa sonorité aux nouvelles demandes, et d’autres, comme la fixation des hines terminées entre l’ancien et le Nouveau son. Seuls certains ont réussi à devenir de gros groupes BOP, comme c’est le cas de Boyd Raeburn, Billy Eckstine et Dizzy Gillespie.
Cool Jazz et Bop dur (1950-1960)
cool Jazz
Elnaciento formelle du mouvement Cool a eu lieu en 1948 avec la publication de l’album Naissance du Cool of Miles Davis, un manifeste auto-définissant et l’un des enregistrements les plus influents de l’histoire. Le nouveau style a été dérivé directement du Bebop, mais il s’est avéré une musique plus cérébrale, qui avait l’objectif principal de l’établissement d’une atmosphère « calme » et « méditative ». Le Cooljazz était particulièrement populaire parmi les musiciens blancs comme Lennie Tristano, en partie par sa distance des racines africaines du jazz, mais il a également trouvé un trou entre les préférences des musiciens noirs qui passaient des artistes simples d’adopter un rôle plus actif Yserio À la recherche de son identité musicale.
MilesDavis, qui avait commencé sa carrière avec Charlie Parker, a commencé le mouvement avec la naissance du Cool (1948), la première d’une série d’albums -walkin (1954) , Miles (1955), Cookin ‘, relaxant, travaillant ou à la vapeur, tous (1956) – assise les bases du style. Le Quartet de jazz moderne – à l’origine Dizzy Gillespie, intégré par Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath et Kenny Clarke-Publié Jazz Quartet moderne avec Milt Jackson (1953), Modernjazz Quartet Volume 2 (1953) et Django (1956), ils représentaient leurs compositions élégantes, à la frontière entre le baroque et la jazzziste. Gunther Schuller était l’initiateur officiel du troisième ruisseau, un ruisseau qui a établi un pont entre musique classique et jazz, qui a un paradigmatique comme un jazz d’abstraction (1959), et aussi parmi ses principaux représentants à Bob Graettinger.Gil Evans a produit Gilevans. Et dix (1957), hors du Cool (1959), ou Intothe Hot (1961), Bill Evans -Joint de Scott Lafaro et Paul Motian-introduisaient un nouveau son dans le trio de jazz influencé par la musique classique et George Russell se distingua comme des sujets modaux interprétés.autres chiffres remarquables étaient les charles Teddy Vibraphonist, le pianiste Ran Blake ou la chanteuse imaginative Betty Carter.
Côte ouest Jazz
ENAE Le même temps, sur la côte ouest , L’évolution du jazz entouré de routes influencées par les musiciens de New-Yorkais, directement par Lester Young et l’évolution qui avait eu de gros groupes comme ceux de Woody Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton ou Wardell Gris.Le nouveau style, qui finirait par bewow comme la principale ligne de développement du Cool, a été entraîné notamment par des musiciens comme Howard Rumsey, Shorty Rogers ou Mansy Manne et générés d’œuvres qui avaient une énorme répercussion commerciale, comme c’est le Time Out, Dave Casode Brubeck Ypaul Desmond, qui est devenu le premier album de jazz à vendre plus d’un million de décharges, grâce au thème « Take Cinq ». Il a également obtenu un grand stan getz, un autre des dirigeants du mouvement cool, provenant des orchestres Stan Kenton, Benny Goodman et Woody Herman, qui se terminerait vulgariser la Bossa Nova, avec son jazz de la côte ouest, début de l’automne (1948 ) et Quartets (1950), tandis que Lee Konitz a suscité des critiques comme la quintessence du musicien cool. Gerry Mulligan, un autre des représentants principaux de ce courant, EditomulliganPlights Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952) et Mulligan Quartet (1952); Art Pepper Enregistré Découvertes (1954), Quatuor Artpepper (1956), répond à la section Rhythm (1957) et Omega Alpha (1957); Jimmy Giuffre a lancé Jimmygiuffre 3 (1956) ou suite occidentale (1958); Chet Baker Publié GreyDecember (1953), Chet Baker & Cordes (1954) ou Chet Baker Sexet (1954); Chico Hamilton enregistré spectaculaire (1955), Quintetin Hi Fi (1956) ou M. Jo Jones sur Quintette (1956); Jim Hall, enfin, se distingua pour un son propre et calme -Justo l’antithèse de Charlie Christian – qui prévoyait l’arrivée d’un type de jazz plus doux et détendu.
BOP dur
Comorection Avant l’intellectualisme de Bebop, les musiciens hardbop ont justifié le retour du jazz à leurs origines, avec une attention particulière dans l’énergie et la spontanéité de la musique. L’élément rythmique est resté et les solos, dérivés du langage des musiciens Bebop, ont acquis une morencement et une vitalité, conformes à une musique agressive et intense. En fait, l’éladjectif « dur » (dur) a dans cette expression la connotation de « intense ». Il avait une incidence particulière parmi les musiciens de la côte est et est recueilli aux musiciens noirs des villes des Grands Lacs, tels que Chicago ou Detroit.Une ils ont aimé les improvisations au poumon total, les insonorités, les phrases. des angles pures, des rythmes explosifs. » Les auteurs du PARAMUCHOS, le HARD BOP était une relecture du bebop « enPro d’un chemin qui s’est ouvert à l’Accusation d’une tradition ininterrompue, que les racines les plus profondes continuaient d’avoir un poids spécifique ».
Max Roach futuno Les initiateurs du Mouvement, ainsi que l’art Blakey ou Sonny Rollins. Ils ont également souligné les saxophonistes Cannonball Adderley, Phil Woods, Tina Brooks, Hank Mobley, Joe Henderson, Pepper Adams, Benny Golson ou Jackie McLean; Trumpéteurs Woody Shaw, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Donald Byrd, Blue Mitchell, Art Farmer ou Clark Terry; Les Pianistes de Bad Waldron, Bobby Timmons, Horace Parlan ou Duke Pearson; L’abbaye de vocaliste Lincoln; Le guitariste Kenny Burrell; Les Barabberiens Reginald Workman, Paul Chambers et Charles Mingus; la batterie pete la roche; ou les grandes bandes de Thad Jones ou Maynard Ferguson.
âme jazz / jazz funky
intimement liée au BOP dur, un style de jazz a été développé, peut-être plus facilement une façon de toucher le jazz, Sur la base de l’utilisation de sensitures blues lentement ou moyennes, avec une « battement » ferme et soutenue, avec des émotions interpharmatiques, appelées Funky ou, plus tard, âme jazz. Un sous-genre qui exposait Hammond B3 et ses pionniers (Wild Bill Davis, Jimmy Smith ou Jimmy McGriff) en tant que protagonistes, et qui a également coulé ses racines dans les œuvres de musiciens comme Horace Silver, Junior Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis Oel Singer et pianiste Ray Charles.
Autres figures remarquables des organismes de frère Genréfueron Jack McDuff, Shirley Scott, Charles Cookland, Larry Young ou Richard « Groove » Holmes; Les guitaristes Wes Montgomery, Grant Green ou George Benson; o Pertes-calexophoniste Stanley Turentin, Willis « Gator » Jackson, Eddie « Lockjaw » Davis, David « Fathead » Newman, Gene Ammons, Houston, Jimmy Forrest, King Curtis, Rouge Holloway, Eddie Harris et Hank Crawford.
Jazz gratuit et Post-Bop (1960-1970)
Jazz gratuit
L’évolution de la BOP rapidement au cours des années 50 et de musiciens (George Russell ou Charles Mingus Entarlos), de la Concepts d’intuition et de digression que la musique de Lennie Tristano a annoncé, des formulations similaires à celles qui avaient déjà été données dans la musique classique dans la vingtaine, avec la prolongement, par exemple, de l’atonalité Enel Jazz des années soixante. Il est généralement accepté par la critique que, Almargen des antécédents susmentionnés, le jazz gratuit prend la nature Cartades en 1960, avec la publication de l’album d’origine d’Ornette Coleman Ysu Double Quartet, qui suppose une révolution stylistique Enel Jazz, mais « non seulement ça Mais une crise, une relecture et un vestige virtuel de tout ce qui était jazz, interrogeant les pertes socioculturelles autant que son développement historique. » Colemanhabe a déjà édité déjà des albums qui anticipaient cette explosion, telle que la forme du jazz à venir ou ceci est notre musique, à la fois pour les archives de l’Atlantique.
Les éléments distribués de jazz gratuits jusque-là essentiel dans le jazz, comme le Swing, la phrase ou la lentonation, qui s’ouvrent également aux influences de la musique mondiale et à la politique excessive de la formays ostensible. Dans les années soixante premières, il a mis en place un, apparemment, une ascension irrésistible du jazz libre qui, en parallèle, a reçu une énorme quantité de rejets résumés dans une flaboarde: « Ce n’est pas de la musique ». La critique qui, d’autre part, ne vint pas de solodel public ni de journalistes spécialisés, mais des musiciens de jazz, comme Roy Eldridge ou Quincy Jones. Modifié par la décennie, pratiquement tous les jeunes musiciens de jazz étaient obstinés par le « libre ». Cecil Taylor, Eric Dolphy et Don Cherry étaient les principaux initiateurs de cette ligne, mais ils ont rejoint Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Marque de Dollar, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gomez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lalevef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof, John Sourman, entre autres.Au milieu de la décennie, le jazz libre a été emmené de manière richement articulée qui couvrait tous les thèmes et commandait toutes les voies de développement de jazz. Cependant, de 1967 a commencé à apprécier une récession claire de la faveur du public en ce qui concerne le fidélisation.
post-bop
UncRito Nombre de musiciens BOP Musiciens halvesArculation de concepts d’improvisation plus avancés à la fin de Les années 1950, effectuant un « jazz modal » directement conduit par des figures comme des miles Davis ou, en particulier surtout, John Coltrane et au début des années 1960. SUS « Draps sonores », selon la critique Ira Gitler Aelson du quatuor du saxophoniste du saxophoniste Ils ont ouvert la voie à un style brûlé dans l’appel post-bop. Celui-ci a adopté le nombre d’expériences irréfléchies du Hard BOP Nombre d’innovations que le Jazz libre avait apporté, devenant la principale ligne de développement du jazz moderne, le fil jusqu’à atteindre le néo-bop ou le « néo-traditionalisme » des années 1980, dirigé par Wynton Marsalis. Sauf pour les exceptions, telles que Bill Evans, l’étiquette de l’enregistrement Blue Note a collecté les musiciens de style principal: Wayne Shorter, McCoy Tyner, Herbie Hancock ou Lee Morgan.
fusions: les années 1970
Jazz Rock and Jazz Fusion
Ellanzation en 1970 Brew, un album de miles Davis qui avait Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter ou John McLaughlin, entre autres, était une nouvelle révolution dans le son du jazz , introduisant une instrumentation et des schémas rythmiques les plus proches du rock et marquant l’ellion d’un nouveau genre qui recevrait plus tard le nom de Jazz Fusion. L’influence des groupes rocheux qui connaissaient avec jazz dans le temps (machine molle, sang, sueur & larmes, colosseum, caravane, noyau, chicago et, à propos de tous, les différentes formations de Frank Zappa), fini du profilage d’un genre qui se produirait plus tard à d’autres hommes, étant particulièrement Evi En remettant sur des aspects tels que l’instrumentation des nouvelles bandes de rock jazz – qui ont remplacé la lame de basse basse électrique et où la guitare ou l’organe a abandonné la section rythmique à se tenir comme une soins solo à part entière – ou sous l’importance considérable des phrubos En ce qui concerne ses membres, une autre caractéristique héritée du monde de Delrock.
Unode Les premiers représentants du nouveau courant de jazz rock étaient Gary Burton, qui, avec l’aide de Steve Hirlowal, Larry Coryll et Roy Haynes- Avait commencé à expérimenter avec des rythmes de roche dans la machine Time (1966) et avait introduit des éléments de pays à Tennessefirebird, édité la même année. Tony Williams, qui était devenu célèbre au quintet de Miles Davis, avait déjà été édité sous sa nom de vie (1964) et de printemps (1965) avant de commencer sa vie, un groupe qui se dit avec Larry Young et John McLaughlin et qu’il deviendrait que les groupes les plus pertinents du genre.64 Herbie Hancock ont noté dans l’érection comme l’un des représentants les plus élevés du genre à la cabezade Son groupe Les Headhuntres – Un groupe qui a inspiré les rythmes funky-psychédéliques Sly Stone, a atteint le plus grand Success Ventes de l’histoire de Jazz avec son album Homonedité en 1973-, tandis que Chick-Corée a fait la même chose avec son retour à toujours, à l’origine avec Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke et Airto plusira. Keith Jarrett Publicógaryburton & Keith Jarrett en 1970 et des incursions au Latin Jazz in’expectings (1971), tandis que McCoy Tyner a collaboré de musiciens comme Bennie Maupin, Bobby Hutcherson, Gary Bartz, Wayne Plus courte, Alice Coltrane ou Ron Carter dans Expansions (1968), Cosmos ou Extensions, à partir de 1970.66 de la zone de jazz libre, des musiciens tels que Charlie Haden, Carla Bley, Michael Mantler ou Paul Motian Sencontrán ont développé une musique complexe et personnelle, avec des racines Influences très diverses très diverses.
Larry Coryell Fuetro des pionniers de Jazz Rock, avec sa participation à l’album de 1966 sur la vue et le son, du groupe « Spirits libre ». L’album a marqué une série d’enregistrements sous son nom qui aboutirait à l’introductionLe Elevanth House (1974), un premier disque d’un groupe -La élévation de la maison qui serait parmi les célèbres groupes de jazz rock des années 1970. Rapport météo, formé à l’origine par Joe Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitto, Airto Plusira et Alphonso Mouzon deviendraient une fois devenue une fois devenue le groupe de mouvement le plus important, mais – selon Piero Scaruffi-dans l’un des deux groupes les plus importants de l’histoire du jazz. Le bandaçait un succès considérable de ses débuts, mais l’arrivée du Delalist Jaco Pastorius en 1976 était un nouveau poids pour le groupe, qui avec des albums comme marché noir (1976) ou un temps lourd (1977) a conclu un succès remarquable.John McLaughlin a ramassé le réveil de Blues Testigodel qui avait abouti au Royaume-Uni avec des groupes tels que les pierres roulées ou la crème, mais après l’édition de l’album à ressuscaginer sous son nom (extrropollation, 1969) avec John Surman et Tony Oxley, a été convoqué par Miles Davis pour le Enregistrement de chiennes Brew.su Mon objectif au-delà, 1971 montre déjà la passion du musicien de la musique hindoue, un intérêt qu’il se développera avec l’orchestre Mahavishnu dans des albums comme la flamme de la montagne intérieure (1971) ou des tirs d’acompte (1972). et, surtout avec Shakti, un groupe qui avait la participation de musiciens hindous.
elbattersiste et pianiste jack logohnette est une autre figure clé de la figurine, avec une série d’albums, vous avez déjà entendu (1970), collectionner (1974), Untitled (1977) … – avec ceux qui voulaient mener une nouvelle lecture des clichés de jazz rock et ceux qui ont participé de musiciens comme John Abercrombie ou David Murray. Gary Bartz soudée de Balance (1967), un album dans lequel il a montré le suicestyle enracinée dans la tradition de Bebop et de Suscules en tant que compositeur, mais après avoir remplacé le groupe de miles de Wayne Shorter Davis, il a formé sa « NTU Troop » en 1970, à Publier Undisco (Harlem Bush Music – Taifa, 1970) sur celui qui a présenté un syndical énergétique, avec des éléments d’âme, funk, jazz et rock. Billy Cobham – Il avait participé à des rêves avec Randy et Michael Broker et John Abercrombie, et qui avaient brièvement brièvement brièvement une brièveté par le groupe de Miles Davis-Spectrum et Crosswids de Davis en 1973, et totalement, tous en 1974, tous importants albums de l’histoire du sous-genre. John Abercrombie a fait ses débuts en 1974 avec Intemporel, avec Jack Dejette et Jan Hammer Objectif en édité des albums sur la même ligne avec des musiciens comme Marc Johnson, Peter Erskine ou Dave Holland.Les frères Randy et Michael Brecker ont formé 1975 les frères Brecker, pour éditer une Musique, ils donnent une complexité à mi-chemin entre le Hard Bop Yel Funky avant de se lancer dans leurs courses solo respectives.
L’album de non-déprimé de l’Oregon Publier -Music d’un autre présent était une sophistication du jazz, de la musique classique, de l’improvisation, du compositeur complexité, ethnique et éléments. Lonnie Liston Smith a publié en 1973 son astraltravaving, premier disque d’un groupe – Les échos cosmiques – qui favoriseraient Funkysoul avec des albums comme des expansions (1974). Étapes à long terme, un supergroupe vortueux avec Mike Mainieri à la tête publié son premier emploi -Stepby Premier 1980, la même année que Ronald Shannon Jackson a publié avec Source avec sa société de décodage du groupe; ou que Joseph Bowie, frère de Later, a publié « Defunkt » d’abord de son groupe de personnes.
Jean Luc Ponty était responsable de la prise de l’ère du violon de l’aile de l’électronique, du début de sa carrière à côté de Frank Zappa infectée Dès 1968, en traversant ses collaborations avec John McLaughlin et culminant dans sa carrière solitaire avec des albums comme sur les ailes de la musique, 1975. Le bassiste Yuchoolist Ron Carter avait publié une conversation de la ville de la Basse Asprotagoniste (1969), avant EditPickColo (1977 ), un album dans lequel le bas Piccolo, un hybride entre la basse et le violoncelle. Le Virtuoso Tchech Miroslav Vitous a également mis en évidence Enel Bass Enálbums comme une recherche infinie (1969) ou violet (1970), mais était Stanley Clarke, mais était Stanley Clarke la louange plus basse Gestionnaire au projecteur de la décharge, avec Stanley Clarke (1974) et des Jours scolaires (1976). Jaco Pastorius était cependant le grand révolutionnaire de cet instrument, à la fois dans ses premières colaborations avec Pat Metheny (Life Life Life, 1976) ou Rapport météorologique (Heavyweather, 1977), comme étant surtout ses débuts solo qui, ont été lancés dans 1976 Titre de Conel de Jaco Pastorius, c’était l’album qui, non seulement popularisé sous freretless, mais l’a placé comme l’un des instruments expressives de la fusion de jazz. Il se distingue également, dans une ligne très génie, le bassiste Jamaaladeen Tacuma (Show Stopper, 1983). Les autres personnalités importantes, dans un style de fusion provenant d’éléments gratuits de Jazz EincorCorporate de la musique de Third Stream, étaient la contrebalance de David Friesen (Colorpool, 1975), Collin Walcott (percussioniste d’Oregon Yuno des musiciens les plus innovants de son instrument), le saxophoniste John Klemmer (Touch, 1975), les pianistes Art Lande (Network Lanta, 1973) et Steve Kuhn (Ecstasy, 1974) et le bassiste Steve Steve (hirondelle, 1991).
L’électricité de la guitare avait atteint l’influence de l’impopularité de roche sans précédent, qui n’a pas tardé à être reflétée dans le monde de la fusion avec l’apparition d’un bon nombre de musiciens, qui l’a vu comme l’instrumentation dans la scène de jazz, comme le saxophone ce qu’il avait été vieilli.Sonny Sharrock (Femme noire, 1969, Monkie-Pockie-Boo, 1970) ou James Blood Ulmer (révélatrice, 1977) figurent parmi les premiers représentants de ce courant, à égale ralphoteur (journal, 1973), le guitariste de Labanda Oregon. Pat Methenyhabía Publié en 1976 sa vie brillante avec Jaco Pastorius et Bob Moses, un disque qui avait la guitare électrique comme le protagoniste principal, mais a également introduit le son des basses électriques du jazz et montré le style naturaliste et original, typiquement « » que Metheny se développerait déjà dans des albums ultérieurs avec SUBLANDA PAT METHENY Group (groupe 1978, AmericanGarage, 1979). La série japonaise Kazumi Watanabe a enregistré des séries de disques célèbres, qui ont commencé avec une manière sans fin (1975), tandis que John Scofield, qui avait collaboré avec Billy Cobham et Charles Mingus, a publié son premier travail solo en 1977, avec le titre Eastmeets West. Virtuoso Al Dimola, a également publié ses premiers travaux au milieu de la dix-décennie (terre de Sunnight Sun, 1976, élégant Gipsy, 1977), ainsi que Steve Tibbetts (Stevetibbets, 1976, YR, 1980), Steve Khan (Tightrope, 1977; L’homme bleu, 1978) et Mike Stern, qui établirait sa carrière au début de la décennie suivante, à côté de Billy Cobham et de Davis (1981-1983).
Enenevo européenne les a mis en évidence britannique Neil Ardley , Mike Westbrook, Mike Gibbs, Kenny Wheeler, John Surman, Keith Tippett, Elton Dean, Basilic Kirchin Oel Group Nucleus; Les Norvégiens Jan Garbarek et Terje Rypdal; Les Niels Danois-Henning ORsted-Pedersen; Losalemanes Wolfgang Daunener, Joachim Kühn et Eberhard Weber; Enrico Rava italien; L’urbaniak polacomicichal; ou russe Sergey Kuryokhin.
Jazz latin et jazz d’ADROCHUBAN
dans les premiers temps de Jazz déjà eu lieu une forte incorporation des années latine à chaud.de fabriqué, les rythmes de Habanera, Calinda, contradiction ou Fandango se faufila dans la musique de la Nouvelle-Orléans. L’expression des éléments latins est restée dans le jazz des années 1920 et 30, bien que sans l’intensité nécessaire pour gérer une vraie fusion. Cependant, milieu des années 1940, l’influence cubaine sur le style de fusion généré par BOP dont le meilleur exposant était la grande bande de Machito et le travail de Dizzy Gillespie, qui intégré des éléments caractéristiques du Bebop avec des rythmes afro-cubains. De tous les styles qu’ils ont applaudi après l’ère de la balançoire, le jazz latin a l’un de ceux qui a apprécié une plus grande popularité et leurs régimes de base ont trop changé tout au long de leur histoire, à travers le travail – à seulement trois des orchestres les plus importants. Bridge de Tito, Poncho Sánchez ou Mario Bauzá.
Partir du milieu des années 1960 et, en particulier, dans les années 1970, ce style de fusion avec musique latine, installée avec une forme définitive dans la pâte de jazz. Dans la large dénomination du « jazz latino », les musiciens sont généralement inclus différents que ceux de l’origine brésilienne (Bossa Nova, en particulier), ceux de l’origine cubaine et de la fusion avec une autre musique de caractère latin (et des formalités, Tango). Parmi les nombreux artistes qui ont développé leur travail dans les différentes variantes de ce genre, y compris Flora Purim, Airto Moreira, Charlie Byrd, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell, Hermeto Pascoal, Dom Um Romão, Egberto Gismonti ou Claudio Roditi. Et, dans l’environnement de fusion de jazz avec de la musique afro-cubaine et de Portorrordan, nous avons trouvé Irakere, Arturo Sandoval, Ray Barretto, Emiliano Salvador, Cal Tjader, Chico O’Farrill, Mongo Santamaría, Cándido, Sabú Martínez, Choo Pozo, Chucho Valdés, Steve Turre ou Paquito d’Rivera, ainsi que des pianistes tels que Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba et Michel Camilo, dans lesquels l’élément latin est indiscret indiscernable à la suorigène BOP.
mutuelles attachées aux styles cubains traditionnels, Même à la sauce, nous trouvons des musiciens comme Willie Bobo, Cachao, Carlos « Pattes » Valdes, Tata Güines, Willie Colón, Jesús Alemany ou Francisco Aguabella, ainsi que les orchestres quiéhistoriques L’esprit a eu une grande projection commerciale, telle que celles de Xavier Cugat et Pérez Prado.alue, met en évidence des musiciens qui ont développé des emplois entre le Jazz traditionnel Ymusic depuis d’autres endroits d’Amérique latine: Astor Piazzolla (Albums Solo Consuss ou avec Gerry Mulligan), Cat Barbieri , Osvaldo Tarantino, Alex Acuña …
Estletille a donné lieu au fil des ans à une série de SubgÉnerosRelated parmi ceux qui sont Boogaloo, le jazz cubain, le jazz brésilien, le gros bandy latin, surtout En popularité et importance, la Bossa Nova.
Melting et lisse Jazz
Amediades des années 1970 Le jazz de Fusiónex a retiré un tour vers plus de terres commerciales qui avaient la promotion de musiciens de jazz comme George Benson.Benson avait commencé sa carrière en tant que guitariste à côté de l’organiste Jack McDuff, en 1964 et a enregistré une série de disques acclamés dans la tradition de BOP, depuis le milieu des années 1970, en tant que phénomène commercial avec des albums comme Breezin (1976) o donner Moi la nuit (1980), dans laquelle il leva la facette du comédant. Chuck Mangione, d’une perspective similaire, spécialisée dans des ballades d’orchestre qui intégrées individuellement des braquentaries individuellement avec de légères mélodies inspirées par la pop la plus commerciale, inaugurant des enregistrements tels que Bellavia ou Chase The Cloudsaway (1975), caractéristiques du son de ce que l’on sait plus tard le jazz lisse. Al Jarreau avait eu une carrière prometteuse en tant que chanteuse de jazz avec nous-mêmes (1975), mais il a bientôt dérivé de l’interprétation de l’âme Yjazz-Pop d’une nature plus commerciale (Jarreau, 1983). Les jaunes-jaunes, d’autre part, ont montré un son à mi-chemin entre le jazz de fusion le plus expérimental de la météo et la pop-âme pop commerciale (Mirage à Trois, Samurai Samba). Également dans les années 1980, le groupe Spyro Gyra a obtenu un succès commercial sans précédent avec une musique qui mixte Light Delpop Eléments, Soul et Jazz Fusion, jouant un rôle important en familiarisant des sons de jazz non friands
le jazz lisse obsolète d’une reprise plus commerciale de l’héritage qui a brûlé les musiciens de fusion, caractérisant une utilisation fréquente de synthétiseurs; Pour un rythme léger et sans prétention, debases funky; par un son élégant et à l’écart de la rationalité de la bebop ode l’énergie de l’âme jazz ou du funk; Et où le réseau général de la bande a importé plus que chacun de ses éléments paragrapheic. Parmi les autres artistes qui travaillaient au genre Cabe ont commencé David Smanborn, Russ Freeman, Bob James, Ben Sidran, Larry Carlton, Najee, Eric Marienthal, Jeff Lorber ou Fattburger.
Flamenco Jazz et d’autres fusions ethniques
Eljazz Flamenco a son origine dans les années 1960, lorsque certaines propositions primitives de Flameno ont commencé à émerger d’artistes comme miles Davis (croquis d’Espagne, 1960, flamencosketches, inclus dans le type de bleu, 1959) ou John Coltrane ( Olé, 1961). Cependant, en Spainhubo à attendre jusqu’en 1967, l’année dans laquelle le saxophoniste Pedro Icuralde Editósu Jazz Flamenco (MPS), un album qui avait la lacbolaboration de Paco de Lucía et qui est généralement considéré comme l’obrafondational du genre. Enregistre comme mon cœur espagnol de Chick Corée (1976) ou vendredi soir à San Francisco, 1980, en trio, de guitaristes Al dimola, John McLaughlin et Paco de Lucía, abondaient dans l’idée de la fusion des deux sexe, à l’intérieur de Un courant de derrenovation à Flamenco, qui a ensuite appelé New Flamenco, un concept que Lucia retravaillait dans son travail avec le Sextest intégré ici, son frère Pepe de Lucía, Ramón de Algeciras, Carles Benavent, Rubem Dantas et Jorge Pardo (vivre … un Nuit d’été, 1984). À partir du milieu de la mi-présent, Benavent, Dantas et Brown commençaient leurs courses en solo, aidant à consolider Unestilo où il n’a pas fallu longtemps pour comparaître des œuvres de figures jazz espagnoles et de flamenco, telles que Joan Albert Amargós, El Pooto, Antonio Carmona, Chanano Domínguez, Angel Rubio, Guillermo McGill, Gerardo Núñez, Jerry González, Juan Manuel Cañizares, Agustín Carbonell « El Bola », Perico Sambeat ou Javier Hill, artistes qui continuent à explorer la route ouverte par Davis, Coltrane, iTourralde et Paco de Lucía Il y a plus d’un demi-siècle.
Enel reste du monde des différents musiciens de traditions très diverses continue de fonder des fusions stylistiques qui ont souvent le jazz comocoprotogoniste. Cette directive commence dans les années 1950, avec des artistes tels que Dizzy Gillespie, une marque dollar, Sun Ra ou Yusef Latf, et au-delà, plus tard, à la fin des années 1960 et dans les années 1970, lorsque Don Cherry, John McLaughlin, Don Ellis ou Andy Narell a commencé à fusionner des éléments ethniques tels que des éléments ethniques tels que l’instrumentation, les harmonies ou les rythmes, la provenance dédiée (Afrique, Inde, Bulgarie, France, Brésil, Japon, Polynésie, Maroc, Les Caraïbes …), dans le travail où le jazz d’improvisation à l’improvisation avait une place importante .
Sexe en sexe de « Fusion ethnique », dont la proximité du jazz varie d’un artiste un autre, généralement regroupée dans le terme généraliste « musique mondiale », qui comprend d’autres. Styles d’un peu ou de caractère de natation avec jazz. Parmi les artistes qui ont développé leur travail Enesta Line, en plus des quotas, sont Shakti, Babatunde Olatunji, Zakir Hussain, Paul Hiver, David Amram, Rabbih Abou-Khalil, Anouar Brahem, Paul Horn, Lou Harrison, Codona, Harry Partch , Trilok Gurtu, Manu Dibango, Lakshminarayanan Shankar, Alpha Blondy, Strunz & Farah, Toshinori Kondo, M’Lumbo, Elek Bacsik, Najma Akhtar, Richard Bona ou Hugh Masekela.
Les années 1980. La crise de jazz et le nouveau traditionalisme.
Elabes de « néo-traditionalisme » qui a eu lieu avec l’arrivée des années 1980 a marqué le point culminant de la crise qui avait affecté Jazz depuis la vulgarisation de la masse de Rock, dans les années 1960. Jazz représentait pour les Noirs américains l’alternative populaire à la musique classique, mais il a commencé à dériver, d’abord vers le jazz libre, puis vers les différentes fusions qui ont eu lieu dans une obscurité de 1970, il bougeait de plus en plus de ses origines, entrant dans une identité sans excédence qu’à la fin de la décennie n’avait pas encore été résolue. C’est une période du terme « jazz » utilisé pour être identifié, simplement avec de la musique instrumentale, les musiciens blancs ont eu plus de succès que les Noirs et le panorama créatif en général décourageant généralement. Cependant, l’arrivée des néo-traditionalistes a changé l’ordre des choses: au lieu de révéler une nouvelle révolution dans le genre, ils ont justifié un retour à leurs origines en transférant les conditions de débat par la dichotomie gratuite de Jazz / Jazz Fusion Aldebate parmi les défenseurs de la pureté du style (néo traditionalisme) et des partisans de la suévolu.
Scott Hamilton, avec son A est un bon vent qui nous souffle non malade (1977) a inauguré le revival de jazz classique, le même Année dans laquelle il cousu le premier album du VSOP Quintet, dirigé par Herbie Hancock. Un retour aux principes, qui a été poursuivi dans le travail des pianistes de Kenny Barron, Joanne Brackeen, Jessica Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts ou Brad Mehldau; De Los Saxophoniste Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson, Dave Liebman , Joshua Redman, James Carter ou Courtney Pine; des trompettes de Jack Walrath, Tom Harrell, Terence Blanchard et Roy Hargrove; ou le tromboniste Steve Turre.
Mentaintparte mérite Wynton Marsalis, la principale saga de la famille des représentants de La Nouvelle-Orléans qui commence au travail d’Ellis Marsalis, père de la précédente (et Brandford, Delfeayo et Jason, tous des musiciens de jazz exceptionnels) et un éducateur important qui avait ses étudiants les plus importants à Terence Blanclard, Donald Harrison, Harry Connick , Jr., Nicholas Payton, ou Kent et Marlon Jordan, entre autres. L’arrivée sur les lieux de Wynton Marsalis, considérée par la critique comme le musicien de jazz le plus célèbre depuis 1980, Linauguration du mouvement de la Mouvement de Les « jeunes lions » (jeunesse), un mouvement qui a abouti à l’embauche des grandes entreprises de disques – même de ceux qui n’en ont jamais montré dans ce type de musique – de jeunes talents de jazz. Avec une annonce encyclopédique de la tradition de son instrument, Marsalis ait latéralement par son rôle conservateur en tant que directeur du « Lincoln Centerjazz Orchestra », un groupe dédié à la préservation de l’identité du jazz des Afro-Américains, mais s’est également démarqué pour son rôle. Divulgation de la culture de jazz, et comme introducteur de nouveaux talents.
Motion M-Base et Jazz acide
Modifié parmi les années 1980 émergés à New York Elcolective M-Base, un groupe des musiciens inspirés par les idées harmoniques d’Ornette Coleman, dont la visite autour du Jazz Yal Funk, avec des éléments de la musique, de la philosophie et de la spiritualité de l’Afrique de l’Ouest. Les saxophonistes Steve Coleman, Gary Thomas et Greg Osby, Thumpeter Graham Haynes; Le trompette Graham Haynes; Le tromboniste Robin Eubanks; Le guitariste Jean-Paul bourelly; Les pianistes Geri Allen et Jason Moran; La Bajistameshell Ndegeocello; ou le chanteur Cassandra Wilson.
En 1988, il apparaît, de Lamano du DJ britannique Gilles Peterson (dédié à cette ère d’éditer des remixes de classiques de jazz avec des bases de hip hop) le terme jazz acide, appliqué à une nouvelle Des quartiers musicaux de style de jazz, de funk et de hip hop. Le terme est devenu le nom d’une société d’enregistrement créée par Peterson lui-même pour donner des groupes de style et, enfin, a été imposé comme sa propre dénomination de genre. Parmi ses premiers représentants, Elguitarrista Charlie Hunter ou le Trio Medeski Martin & Wood, mais a noté en émergent plus concentré par des pistes de danse telles que Stereo MCS, James Taylor Quartet, Neuf Heavies, Groove Collective, Galliano, Incognito réussie Olos Jamiroquai.autres bandes de mouvement majeures étaient Mondo Grosso, une future organisation unie, les guerriers de jazz, le comte Basic ou le guitariste de Ronny Jordan, qui a développé la majeure partie de sa discographie Yaentión de 1990.
Jazz de nouvelle ère
En 1975, le guitaristeTanoricano William Ackerman avait inventé le style éligible du nouvel âge, dont l’origine pourrait être suivie dans des stratifiés de jazz avec la musique classique, les gens et même avec Sa musique psychédélique, son électronique et ses philosophies orientales. La nouvelle musique, destinée à un public hébergé et urbain, était une véritablement blanche, dont le centre névralgique était situé sur la côte ouest des États-Unis.
Ya Tony Scott Constitutique Musique pour la méditation zen (1964) et Paul Horn (Inindia, 1967), entre autres, avait connu avec la fusion du jazz avec les traditions musicales de l’est de l’est, mais le genre devait attendre jusqu’à Hastamed des années 1970 afin que les musiciens aiment les musiciens Isham ou David Darling commencera à retrouver leurs lignes définitives, qui étaient bien établies avec la prochaine décennie dans les travaux de George Winston, Michael Hedges, Daniel Kobialka, Michael Jones, David Lanz, Histoire de Liz, Mark Nauseef, Glen Vélez, Rob Wasserman Oel Group Shadowfax.
Jazz contemporain
Les années 1990 et post-jazz
SASMEDIATES Parmi les années 1970, la ville de New York connaissait une « nouvelle vague » de créativité musicale, à la fois à Elmundo del Rock et dans le monde de la musique jazz et avant-gardiste. New York La bantervolution est née de diverses racines et la question raciale était incapable: les musiciens blancs ont dirigé le mouvement et les musiciens noirs avaient été corrigés du de facto de la scène de rock classique. Le jazz avait traversé plus tôt avec d’autres musiques noires – le blues, le funk, l’âme …-, mais jusque-là, je ne l’avais pas fait avec des styles tels que le rock avant-gardiste ou le musicaclassique, traditionnellement dominé par des musiciens blancs. New York Lervolution a changé l’ordre des choses.
Les premiers musiciens à catalyser toute cette série d’éléments étaient Elsaxophoniste John Zorn; Le guitariste Elliot Sharp, dont les compositions s’unissent de la synthèse de la dissonance, de la répétition et de l’improvisation; Eugene Chadbourne, rencontrant des éléments du jazz avant-gardiste avec de la musique blanche d’origine rurale; le guitariste Henry Kaiser; le violoncroit Tom Cora; Le guitariste irlandais Christy Dorran, dirigeant du nouveau sac abstrait de Quartet Dejazz-Rock; Le batteur juif Joey Baron; et de nombreux autres musiciens de la même génération.
New York Laring a été ressenti à la fois dans le type de matériel dans lequel les musiciens se lancent comme dans le type de techniques utilisées pour improviser, collectionner influence de toutes sortes et de fusion de syllymen conceptuel. Ainsi, le saxophoniste NED Rothenberg a été créé entre la ligne des nouvelles générations d’improvisques, comme Elbaterista Sam Bennett, qui a présenté le travail de la batterie de Dondela était le seul instrument ou où il a intégré des éléments expérimentaux électroniques. D’autres musiciens, tels que le thromboniste Jim Staley, ou Tom Varner, un virtuose de la brûlure française, étaient parmi les plus originaux de sa génération. Beaucoup de choses bien connues, Elguittrista Bill Frisell a assimilé dans ses influences de travail de Jazz et Delrock, mais aussi du folk, la musique des bandes de marche ou même de la Lamusica ecclésiastique. Les solistes comme guitariste David Thorn, le violoncelliste Hank Roberts, ou Mike Sherve (ancien batteur de Santana) a également mis sa capacité intégrale sur la première ligne.
gros bandes de l’ère post-jazz
La moitié de la Lasegunda, la moitié des années 1990 cherche une réveil de la musique pour les grandes bandes, une tendance qui était originaire de la décennie précédente, dans le travail démusique que le bassiste Saheb Sarbib ou Cornetiste Butch Morris. Le clavier Wayne Horvitz a développé son idée du « Jazz progressif de la caméra », tandis que le vétéranomultinistrat Marty Ehrlich a ramassé le jazz traditionnel influenciadé, l’improvisation, la musique légère et la Dévanguardia classique. Le groupe Yougoslav Stevan Tickmacker Colideróel Science Group, une autre tentative d’une graisse de la caméra avec l’improvisée et la dernière année, Maria Schneider, Alumnade Gil Evans, a ressuscité le style de son professeur dans divers albums d’orchestre
nouvelles scènes de Chicago et New York
Au cours des années 1990, la ville de Chicago a soulevé une créativité musicale où des figures d’intérêt en tant que pianiste Myra Melford, qui avaient fait ses débuts en 1984. Le saxophoniste Ken Vandermark a offert Heddie de Bighead Heddie en l’honneur de Thelonious Monk Yal Guru du Funk George Clinton, avant de se lancer dans une carrière singulière dans laquelle il vivrait des formats et des approximations.Le violoncelliste Fred Lonberg-Horn, pupilode Anthony Braxton a rejoint les nouveaux produits créatifs DeimProvisionnistes, tandis que le saxophoniste / clarinétiste Scott Rosenberg, un autre étudiant de Braxton, un vocabulaire de jazz étendu avec une charte polyphonique et à l’aube du XXIe siècle.
Veuillez mettre fin à la dernière décennie du XXe siècle, une nouvelle génération de jeunes musiciens qui ont trouvé la clé de sa musique: les Parkins de Zeena, le flûtiste Robert Dick, apparurent dans l’improvisation. Trumpeter Toshinori Kondo ou guitariste Alan Licht. D’autres, tels que le pianiste Uri Caine OEL Trumpeter Dave Douglas, ont exploré la relation entre le dur BOP, le jazz gratuit et la musique classique.
Jazz au XXIe siècle
Les Afinales du XXe siècle L’héritage du jazz libre visible entre la communauté noire des musiciens de jazz, en particulier à New York Lescena, où les noms ont dit comme Le saxophoniste David Ware, l’irrévérence-frères Craig Harris, ou le pianiste Matthew Shipp, qui a flirté par le hop hip hop. Le claroinétiste de la formation classique Don Byron avait son apparition à la scène de New York au début des années 90, ainsi que Le saxophoniste Roy Nathanson ou le tromboniste Curtis Fowlkes, tous deux anciens membres de passagers de jazz. Enfin, Elgrupo Bsharp Jazz Quartet Insertósu travaille entre le dur BOP et le jazz libre.
La plupart des frontières de New York, ont continué à comparaître ces dernières années, Delsiglo a passé une série d’artistes, qui développerait la majeure partie de son Travail dans lequel ils retravaillèrent les concepts établis par des générations de différentes manières multiples et créatives – déjà dans le nouveau siècle. Par exemple, Elbajista Michael Formanek avait été impliqué en 1990 et le Guillermo Argentine Gregorio Oel Canadian Paul Plimley, avait déjà édité des disques publicitaires de la même décennie. Les autres musiciens en vedette de ce premier siècle en premier, sont Greg Kelley, le multi-finantiste Eric Glick-Rieman et le violoniste canadien Eyvind Kang, l’un des musiciens suggestifs les plus éclectiques. Également au début des années 2000, les archives de confirmation des musiciens semblaient comme le thromboniste Josh Roseman, le Ben Bunney Coupleson, le saxophoniste David Binney, tous des Américains, ou le pianiste britannique Jason Lindner.
Jazz Electronic
Laréfolution qui avait apporté avec elle musique électronique a également exercé une suinfluence dans le développement du jazz, qui a assisté à l’émergence d’improvisateurs de nouvelle génération, qui sont venus de la tradition de la liberté de Jazz Butaque ramassaient l’influence de l’avant-garde Classique et électronique: Ben Neill, guitariste et clavier Kevin Drumm, Percussionist Suizogünter Müller, ou Miya Masaoka, d’origine japonaise de San Francisco. D’autres créateurs, tels que Tyondai Braxton, expérimentés avec des boucles de boucles orchestales, le cas de Greg Headley, les manipulaient électroniquement des sons de leurs instruments alors que, enfin, des groupes tels que le triosque ou le zanana ont apporté des contributions dans la même direction.
ENe Domaine de Jazz Rap, qui avait déjà beaucoup développé au XXe siècle, il y a beaucoup d’œuvres, de Demusic de Hip Hop, comme Kanye West, comme Kanye West, Crown City Rockers, Nujabes, Asheru, Madlib, Duoinglés The Herboriseur , ou le pocus de Hocus français, entre autres.