Un estilo homoxéneo en toda Europa Occidental
entre 1380 e 1450, aproximadamente, a arte ten unha forma de expresión ou estilo ao que chamou Gothic International debido a As características comúns que ten nas distintas rexións de Europa occidental, ás veces, lonxe do outro. A arte luminosa que dobra as formas ao ritmo dunha escritura maleable, que privilexi que as curvas, a elegancia de cores e actitudes, o gótico internacional é unha arte cortesía, testemuña o sabor dunha sociedade principesca para o rápido e cerimonial. Ás veces, a súa natureza internacional foi cuestionada a designala só como un termo aristocrático que o define igual. No Diptical Wilton (Londres, National Gallery), executado por volta de 1395 para o rei de Inglaterra, foi descuberto, francés e Bohemian influencias italianas evidentes, sen ser decidido coa cuestión da súa asignación ou a súa orixe inglés. Na historia da arte italiana, o término Tardo Gotico (gótico tardío) úsase para designar a arte das primeiras décadas do século XV, mentres que, en Alemania, o termo correspondente é “Spätgotik”, aparentemente literal de italiano, que Aplícase ás últimas manifestacións dese estilo, xa no limiar do século XVI.
Diptical Wilton e detalles, por 1395, Master of the Diptical de Wilton (Londres, National Gallery). É unha forma dun díptico moderno, que corresponde á sensibilidade dunha arte cortés: o rei Ricardo II de Inglaterra é presentado polos seus protectores sagrados á Virxe co fillo rodeado de anxos. O pintor podería ser un inglés que coñeceu moi ben a arte dos tribunais franceses. Do mesmo xeito, é posible que o tipo de beleza da Virxe de Bohemia, a Virxe de San Guy, poida ser familiar, (Ricardo II estivo casado en primeiras nupcias cunha princesa de Bohemia). A DIPTICAL WILTON serve ao mesmo tempo que un obxecto de devoción e representación da realeza.
O alto nivel de cultura pictórica e a precisión miniaturista da pintura, pódese ver no balón que Culmina o estándar, onde o artista pintou unha imaxe da illa inglesa cun castelo branco. Mostra toda unha riqueza de detalles, como as flores aos pés da Virxe, o cervo pequeno sobre a roupa dos anxos, os motivos dos bróccades da roupa de corte, cos seus pregamentos e outros adornos que non só están pintados, senón Nalgúns lugares están estampados e gravados. Como característica deste estilo internacional, tamén se poden citar puntuacións italianas.
A xulgar por todos os detalles iconográficos, este díptico extremadamente refinado, foi executado no mesmo xulgado do rei ou no seu contorno para conmemorar a súa coronación. O seu interese excepcional é porque ten características en miniatura ao mesmo tempo para o seu acabado, eo orfebre polo brillo do seu fondo de ouro en relevo. O seu lugar forma parte dos obxectos familiares de adoración doméstica, dos cales, a arte parisina deixounos os mellores exemplos. O rei Ricardo II é presentado polos seus patróns sagrados: San Juan Bautista, eo santo rei Eduardo o confesor, cun anel na man, e Saint Edmundo, o rei feriu a morte para as frechas danesas no ano 870.
Os pintores de Europa Occidental estaban unidos polo mesmo repertorio formal e pola mesma posición estética fundamental. En Italia, atopamos gentil da Fabrano e Pisanello, en París e Dijon, capital de Borgoña, Jean Maluel (ao redor de 1365-1419) ou Melchior Broederlam (documentado de 1381 a 1409) e os irmáns Limbourg; En Londres, o profesor do DIPTYCH WILTON (documentado ao redor de 1390-1395), en Cataluña, Lluís Borrassà (documentado de 1380 a 1425) ou na cidade hanseática de Dortmund, Konrad von SOEST (ao redor de 1370 – despois de 1422), cuxo importante A personalidade aínda dominará a arte do oeste e a Alemaña do Norte durante décadas. Todos estes artistas lograron imprimir o seu propio selo no estilo universal deste tempo.
Intermedio de Aviñón
A cidade de Aviñón, que acolle a pontificia ao longo do século XIV, el Representa o foco de difusión da arte italiana, pero tamén é o primeiro centro onde se elaboran as bases do estilo internacional.A instalación das institucións papales e dos seus cardeais, as grandes construcións emprendidas para acomodalas e a irradiación intelectual do Tribunal Papal, fan que Avignon nese momento un enfoque deslumbrante sobre o que se destacan os nomes de Petrarca e o dos pintores Simone Martini Matteo Giovannetti. Nesa cidade, cruceiros de rutas comerciais e correntes artísticas do norte e sur, serán progresivamente mesturados e combinados, as fontes formais e estilísticas dunha modelización gótica internacional con tons de Siene, con sinuosidades parasines e cun toque de petrárquismo. A orixe dos profesores que traballaron no Palacio de Papás, adiviñen o que o rol de Aviñón podería estar na difusión do novo estilo, prophadable por inglés, alemán, catalán, francés, italiano, flamencos. A partir de Avignon, a sinuosidade da liña ea elegancia de cortesía da arte sexinee, co seu cromatismo sutil e vigoroso, estenderá a súa influencia non só ata que o Tribunal de Parides, senón tamén máis aló dos Pirineos, ata o próximo Reino de Aragón. En Barcelona, ao mesmo tempo, o pintor Ferrer Bassa desenvolveu unha arte con importantes contribucións italianas, especialmente dos pintores sienesais. Crese que a factura sienesa na arte que se practicaba na corte de Bohemia foi traída de Aviñón por homes como a Virxe de Glatz, cuxas visitas á corte papal foron testemuñas. Os documentos da época tamén nos indican, que os artistas italianos estaban atendendo por pintores franceses, cataláns ou inglés.
Vista de Avignon, 1409. Miniatura do manuscrito Os diálogos de Pierre Salmon, (París, Biblioteca Nacional de Francia). Desde principios do século XIV, as patacas fuxindo de Roma e as súas loitas de facción están instaladas en Avignon. Pero entre 1367 e 1377, ante os requisitos cada vez máis presentes dunha parte do cristianismo para restaurar o papado en Roma, o regreso de Urban V e despois de Gregorio XI á Cidade Eterna, inclinouse un golpe fatal á proxección artística de Avignon.
Neste ambiente da cultura internacional elevada, as distintas tradicións artísticas entraron en contacto, beneficiándose de forma recíproca, dun fructífero intercambio de experiencias. As pinturas murais que foron preservadas en Avignon, dános unha imaxe excepcional dun tribunal da época. O amor por fauna e flora culmina no baño Clemente VI, chamado unha cámara de venado, testemuño de paixón principesca pola caza. Os murales combinan temas do norte, especialmente paisaxes, con características específicamente italianas – Modelización de caras, ollos de améndoa como nas pinturas de Giotto e a perspectiva da lagoa. Este primeiro conxunto conservado, interpretado cun naturalismo descritivo, anticipa desenvolvementos posteriores.
Detalle da decoración da Cámara de Deer, 1343, taller do Palacio Palacio (activo en Aviñón ao redor de 1340) (Aviñón, Palacio de Papas, Torre do Armario). Artistas franceses e italianos, como Matteo Giovannetti, traballou na cámara dos cervos situados no cuarto piso da torre do garda-roupa, onde Clemente VI fixo instalar a súa cama. As paredes están decoradas con escenas de caza e pesca e outros pasatempos de países, sobre un encantador fondo de paisaxe. Este ciclo, que foi admirado por dignatarios soberanos e altos que tiñan acceso á intimidade do Papa, tivo unha influencia considerable sobre o desenvolvemento dun determinado tipo de pintura profana, de estilo gótico internacional.
formación por A viaxe
Propagadores de novas formas, os profesores itinerantes tamén estaban expostos a novas influencias. Isto é indubidablemente explicado por viaxes sucesivas a diferentes capitais artísticas. Os libros modelo, que son como un tipo de caderno de viaxes, testemuñan. O de Jacques Daliwe, cuxo autor sería orixinalmente de Flandes, ten entre as súas probables fontes, miniaturas parisinas e cameos da colección King of France, tapices de Tournai ou Arras, Dijon e Hamburgo Pinturas. Un factor complementario da internacionalización do estilo é a circulación das propias obras. Numerosas pezas de orfebres franceses son pronto a transitar por Alemania, Italia ou España, xa sexa polo intercambio de agasallos entre os príncipes ou como doazóns ás igrexas de peregrinación. O comercio de obxectos de luxo tamén explica a difusión, dentro dunha ampla área xeográfica, marfiles parisinos ou tapices de arras. Así, non é estraño que os profesores se reunisen en traballo puntual (ciclos de miniaturas, programas escultóricos), enriquecen a súa produción inspirada nos artistas do lugar.Isto é máis ou menos evidente, pero os maiores profesores non o despiden, pero ao contrario, ven nel un estímulo para a súa propia creación. No seu Cristo cargando a cruz, Jacquemart de Hesdin está inspirado nunha obra de Simone Martini, o Orsini Política (París, Louvre Museum), onde integrou grupos de figuras directamente dos frescos do pintor Altichiero en Verona e en Padua. JacQuemart adapta estes elementos dentro da súa propia lingua formal, máis pintoresca e un clima de emoción interiorizada.
Cristo que leva a cruz, en miniatura sobre pergamino pegado no tecido, 1409, Jacquert de Hesdin (París, Museo Louvre). Neste traballo, o pintor está inspirado no político Orsini de Simone Martini.
Gótico internacional é rápidamente difundido e expresado en diferentes países en formas similares, grazas ás viaxes dos artistas, a intercambios de todas as ordes E sobre todo para pechar as relacións políticas e culturais entre os ambiciosos cortes principios ao longo do continente. O desenvolvemento do comercio internacional xerou intensamente, unha intensa circulación de artistas e obras de arte. Os intercambios comerciais foron principalmente marítimos, por parte de Venecia e Génova, por Barcelona, Bruxas, Londres, Hamburgo. Está a axudar a emigración dos mellores artesáns ou artistas para ofrecer os seus servizos aos príncipes. Este último será case os seus clientes importantes únicos, xa que os seus gustos ou o seu hobby de moda, consúltanos ao papel dos mecenas. As universidades e as escolas seguen a ter unha importancia de capital. Incluso créanse novas universidades, como a de Praga en 1348. Así, a mesma estrutura social en Europa Occidental, a mesma comunidade de civilización, unha estreita dependencia económica ea ausencia de fronteiras, explicar e favorecer a diseminación dunha arte que o fai Non ser absolutamente internacional: a idea da nación aínda non existe – será revelada a través de Europa de forma común, máis ou menos marcada polas orixes dos artistas ou polos gustos persoais da súa clientela principesca.
A adoración dos Magos, 1421-1422, Lorenzo Mónaco (Florencia, Galleria Degli Uffizi). As comisións da época, apreciaron moito a cuestión da adoración dos magos como pretexto á ostentación das taxas da corte, como a imaxe dunha sociedade en continuo desprazamento, senón tamén como a posibilidade de dar unha representación fiel dos pobos Exóticas: na adoración dos magos de Lorenzo Mónaco, podes ver aos africanos, os turcos e os mongoles vestidos co seu atuendo respectivo, en particular os seus inusitados tocados.
Atlas Catalan, 1375, Anonymous Mallorcan (París, Biblioteca Nacional). Este mapa excepcional, atribuído ao cartógrafo de Mallorquía Abraham Cresques, foi dado polo rei John I de Aragón ao seu primo, o rei Carlos VI de Francia. Consta de doce folios montados en paneis de madeira. Unha vez despregado, ofrecen unha ampla imaxe do mundo representada por primeira vez ata a China. Obxecto de luxo e refinamento, tamén é unha mostra de gusto cortesés.
Cortesan arte e amor cortesán
No século XIV, os príncipes empregaron un crecente número de artistas: arquitectos, escultores, Pintores, orfebres ou embroboops que realizaron o título de “asistente de cámara”. Isto non implicou só unha función particular, pero indicou que tiñan un rango na casa do príncipe e recibiron unha pensión, deixando libre para executar outras ordes. Estes artistas formaban parte do xulgado e adoptaron o seu espírito e os seus costumes, aos que, sen dúbida, débense á arte refinada da época. As miniaturas dos irmáns Limbourg nas horas moi ricas do seu patrón de Jean de Berry son un reflexo desta vida xudicial compartida. O frontispicio dun libro de poemas encargou a Christine de Pisan ou Pizan para a raíña Isabeau de Baviera, mostra un dos lugares onde se desenvolve esta exquisita vida cortesita. A arte da miniatura tamén foi moi apreciada polos burgueses, que en certas cidades (Bolonia, Estrasburgo, Colonia e as cidades comerciais de Alemania do Norte) foron os seus comités principais. A súa lingua iconográfica tamén foi moi accesible, ata que o antigo erudito e hermeticismo, cultivados no Renacemento, converteuse nunha arte elitista.
Christine de Pisan presenta o seu libro a Isabeau de Baviera, 1413, Frontispicio da Christine de Pisan Works (Londres, British Library).Nesta miniatura pódese ver a sala de luxo onde a raíña, rodeada do seu xulgado de mulleres, acolle a autor do libro.
ofrecendo corazón, cara a 1400, estofos, la e seda (París, Museo do Louvre) )
O xulgado, con todo, estableceu as pautas. Os seus gustos foron retirados de cuestións literarias, como a poesía lírica e as novelas de cabalería, as mutacións de sentimentos amorosos eo uso inmoderado da alegoría, que se converteu en personaxes autónomos ou obxectos concretos. Foi case no seu propio sentido, que o amante ofreceu o corazón á súa señora. O amor alegórico foi saqueado. Neste punto, recordou a mitoloxía e a literatura cortesán, a que enriquecía a outra. Ovidio foi o autor máis estimado, e Christine de Pisan tomoulle prestado pola súa epístola de Othea. A literatura trovadora no antigo fin de fin’Mors ou Corté, terminara impregnando os costumes. O idioma axeitado para ese estado do espírito foi civilizado, medido, elegante; A arte que correspondía debería cumprir as mesmas calidades. A preciosidade dos xestos traducidos ao de sentimentos. O vestido, moi coidadoso, correspondía a Courtesan Moda. No xardín eterno do poeta seguiu as mesmas escenas: Primeiro encontro, intercambio de roupa de amor, melancolía de amantes, aínda que a historia a miúdo terminou en amor imposible.
Apollo e Dafné, 1406- 1408, miniatura de A Epístola Othea de Christine de Pisan (París, Biblioteca Nacional de Francia)
O pintor oficial foi responsable da imaxe do seu Señor e do ambiente aristocrático e refinado que o rodeaba. As tarefas disto foron executar os retratos do seu protector e os seus cortesáns, para levar a cabo os ciclos de frescos nas residencias máis importantes, pintar altarlings ou outras mesas destinadas a destacar as calidades ou glorificar a familia predominante. Estas actividades alternáronse con outras ocupacións efémeras: preparación de partidos e torneos, realización de decoración teatral, execución de pancartas e pendóns ornamentais, concepción de diversos mobles, deseño de vestidos e accesorios, ilustración de códices con miniaturas, mapas marítimos, produción de modelos para Escudos, armaduras e moedas heráldicas, xogos de cartas e varios obxectos, así como os valiosos agasallos que foron enviados a outros cortes como admiración ou obxecto de emulación. O pintor tamén foi encomendado coa organización de eventos e cerimonias oficiais, como banquetes solemnes, recepcións e recepción de visitantes nobres. En resumo, un creador con múltiples facetas e proteiformes, dentro dun campo de acción extraordinariamente extenso, que é esencial para o traballo en equipo ea organización dun taller polivalente, capaz de dominar as diferentes técnicas e materiais. En Milán, no xulgado do Visconti, os irmáns Zavattari, con gran pompa e graza amnevante, adornaron unha capela da catedral de Monza con frescos que representan cuestións profanas.
A historia de Theodolinda: o emperador Constantino chega a Italia, fresca, 1440-1450, irmáns Zavattari (Monza, Catedral). Nesta escena de estilo gótico internacional, a viaxe do emperador Constantino II Heráclito é evocada nas crónicas de Paul Diacre e Bonincontro Morigia. O Comalanda del Fresco é Filippo Maria Visconti, duque de Milán, pero o ciclo será rescindido no momento da Sforza. O Fastón é un estilo cortés. Theodolinda foi representada como unha princesa de Tremeno que vive nun ambiente refinado, tal e como se indica o uso abundante de ouro.
O home astrológico das horas moi ricas do duque de Berry, 1413-1416, os irmáns Limbourg (Museo Chantilly, Condé). Ao redor da escena central da miniatura, as figuras elegantes dos signos do zodíaco adornan a representación completa dun calendario perpetuo, realizado con precisión e gusto pola fantasía. Os símbolos do zodíaco foron colocados nas partes do corpo que se consideran sometidas á influencia dos Astros correspondentes a cada sinal. A representación das dúas figuras espidas de volta cara atrás, aínda que chea de fantasía, está de acordo coa anatomía concreta, que dá a miniatura unha forma de ambigüidade máxica. A mestura de realidade e fantasía é unha característica esencial do gótico internacional.
Máis que a familia e as partes relixiosas que compoñen a vida cortesán, é un partido profano que nos fai descubrir a imaxe cortés dalgúns príncipes que celebran o fermoso mes de maio, o regreso da primavera. O calendario das horas moi ricas móstrase a cabalo, a cabeza axustada coa follaxe, acompañando ás mulleres ao fillo das fanfares, ou montando unha rama solitaria, unha rama de Florida na man. A imaxe de tanta elegancia e cortesía pode parecer artificiosa e banal, pero a tristeza dolorosa dos xemelgos do signo do zodíaco no mesmo calendario é o seu contrapunto. A elegancia da arte e as formas, non podía esquecer a dureza dun tempo de guerras.
o mes de maio, o calendario das horas moi ricas, 1414-1416, os irmáns Limbourg (Museo de Chantilly, Condé)
O espírito cortés é considerable Influencia sobre toda a arte da época e tamén na arte relixiosa. O Donante ou Donor arrodíllanse aos pés da Virxe en Maxestade, do mesmo xeito que os amantes arrodínanse ante a súa señora ou o señor antes de que o deus adore. Se o propósito cambia, a composición do conxunto e a delicadeza do debuxo son Semellante. As liñas sinuosas e as cortinas sutís tamén pertencen a esta corrente, así como as caras xuvenís, as roupas magníficas, os xestos amosados e os dedos extraordinariamente afiados. A mestura de dozura e mocidade, liñas divertidas, de tecidos flexibles de cores ricas, a beleza do ouro gravado eo chan cuberto de flores de primavera, forma do encanto dos paneis de devoción privados, eo seu pequeno tamaño fainos a encarnación do luxo supremo .
Coronation of the Virgin, por 1410 (Berlín, Gemäldegalerie)