Un estil homogeni en tota l’Europa occidental
Entre els anys 1380 i 1450, aproximadament, l’art pren una forma d’expressió o d’estil a què es ha anomenat gòtic internacional a causa dels trets comuns que ostenta en les diferents regions d’Europa occidental, de vegades, molt allunyades les unes de les altres. Art lluminós que dobla les formes a el ritme d’una escriptura mal·leable, privilegiant les corbes, l’elegància dels colors i de les actituds, el gòtic internacional és un art cortesà, testimoni de l’gust d’una societat principesca pel fast i el cerimonial. Algunes vegades, s’ha posat en dubte la seva índole internacional per designar-només com un estil aristocràtic – terme que el defineix igualment. Al Díptic Wilton (Londres, National Gallery), executat cap a 1395 per al rei d’Anglaterra, han estat descobertes evidents influències italianes, franceses i bohèmies, sense que es pugui decidir amb sobre la qüestió de la seva atribució ni del seu origen anglès. En la història de l’art italià, el terme trigo gòtic (gòtic tardà) és emprat per designar l’art de les primeres dècades de segle XV, mentre que, a Alemanya, el terme corresponent és “Spätgotik”, aparentment traducció literal de l’italià, que s’aplica a les últimes manifestacions d’aquest estil, ja al llindar de segle XVI.
Díptic Wilton i detalls, cap a 1395, mestre de l’Díptic de Wilton (Londres, National Gallery). Es tracta d’una forma de díptic modern, que correspon a la sensibilitat d’un art cortesà: el rei Ricardo II d’Anglaterra és presentat pels seus sants protectors a la Verge amb el Nen envoltada d’àngels. El pintor podria ser un anglès que conegués molt bé l’art de les corts franceses. Així mateix, és possible que li resultés familiar el tipus de bellesa de la Mare de Déu de Bohèmia, la Verge de Sant Guy, (Ricardo II havia estat casat en primeres núpcies amb una princesa de Bohèmia). El Díptic Wilton serveix a el mateix temps com a objecte de devoció i de representació de la reialesa.
l’alt nivell de cultura pictòrica i la precisió miniaturista de el quadre, es pot apreciar a la bola que culmina el estendard, on l’artista ha pintat una imatge de l’illa anglesa amb un castell blanc. Mostra tota una riquesa de detalls, com les flors als peus de la Verge, els petits cérvols sobre la roba dels àngels, els motius dels brocats de les vestidures de tall, amb els seus plecs i altres ornaments que no només estan pintats, sinó que en alguns llocs estan estampats i gravats. Com a característica d’aquesta obra d’estil internacional, es poden citar igualment els escorços italians.
a jutjar per tots els detalls iconogràfics, aquest díptic extremadament refinat, ha estat executat en la mateixa cort del rei o al seu entorn per commemorar la seva coronació. La seva excepcional interès, es deu al fet que posseeix alhora trets de la miniatura pel seu acabat, i de l’orfebreria per la resplendor del seu fons d’or repujat. El seu lloc s’inscriu entre els objectes familiars de culte domèstic, dels quals, l’art parisenc ens ha deixat els millors exemples. El rei Ricard II és presentat pels seus sants patrons: sant Joan Baptista, i el rei sant Eduard el Confessor, amb un anell a la mà, i sant Edmundo, el rei ferit de mort per les fletxes daneses en l’any 870.
Els pintors d’Europa occidental van estar units per un mateix repertori formal i per una mateixa posició estètica fonamental. A Itàlia, trobem a Gentile dóna Fabriano i Pisanello, a Paris i a Dijon, capital de la Borgonya, Jean Malouel (cap a 1365-1419) o Melchior Broederlam (documentat de 1381 a 1409) i els germans Limbourg; a Londres, a el Mestre de l’Diptic de Wilton (documentat cap 1390-1395), a Catalunya, Lluís Borrassà (documentat de 1380 a 1425) oa la ciutat hanseàtica de Dortmund, Konrad von Soest (cap a 1370 – després de 1422), la important personalitat dominarà encara l’art de l’oest i de nord d’Alemanya durant dècades. Tots aquests artistes han sabut imprimir el seu propi segell a l’estil universal d’aquesta època.
El intermedi d’Avinyó
La ciutat d’Avinyó, que acull la cort pontifical durant tot el segle XIV, representa el focus de difusió de l’art italià, però és també el primer centre on s’elaboren les bases de l’estil internacional.La instal·lació de les institucions papals i dels seus cardenals, les grans construccions empreses per allotjar-los i la irradiació intel·lectual de la cort papal, fan d’Avinyó en aquella època un focus enlluernador en el qual destaquen els noms de Petrarca i el dels pintors Simone Martini i Matteo Giovannetti. En aquesta ciutat, cruïlla de rutes de comerç i de corrents artístics de el Nord i de Sud, van a trobar-se, barrejar-se i fondre progressivament, les fonts formals i estilístiques d’un gòtic internacional modelatge amb tons sienesos, amb sinuositats parisenques i amb un toc de petrarquisme. L’origen dels mestres que treballaven al palau dels Papes, deixa endevinar quin ha pogut ser el paper d’Avinyó en la difusió de el nou estil, propalat per anglesos, alemanys, catalans, francesos, italians, flamencs. Partint d’Avinyó, la sinuositat de la línia i l’elegància cortesana de l’art sienés, amb el seu cromatisme subtil i vigorós, estendrà la seva influència no només fins a la cort de París, sinó també més enllà dels Pirineus, fins al propera regne d’Aragó. A Barcelona, a la mateixa època, el pintor Ferrer Bassa desenvolupava un art amb importants aportacions italianes, sobretot dels pintors sienesos. Es creu que la factura sienesa en l’art que es practicava en la cort de Bohèmia va ser portada des d’Avinyó per homes com el comitent de la Verge de Glatz, les visites a la cort papal han estat testificades. Els documents de l’època ens assenyalen també, que els artistes italians es feien assistir per pintors francesos, catalans, o anglesos.
Vista d’Avinyó, 1409. Miniatura per el manuscrit dels Diàlegs de Pedra Salmó, (París, Biblioteca nacional de França). Des de principis de segle XIV, els papes que fugen de Roma i de les seves lluites de faccions, s’instal·len a Avinyó. Però entre 1367 i 1377, davant els requeriments cada vegada més urgents d’una part de la cristiandat per restablir el papat a Roma, el retorn d’Urbà V i després de Gregori XI a la Ciutat eterna, va donar un cop fatal a la projecció artística de Avinyó.
en aquell ambient d’elevada cultura internacional, diferents tradicions artístiques van entrar en contacte, beneficiant-se de manera recíproca, d’un fecund intercanvi d’experiències. Les pintures murals que s’han conservat a Avinyó, ens donen una imatge excepcional d’una cort de l’època. L’amor per la fauna i la flora culmina a la sala de repòs de Climent VI, anomenada Cambra de l’Ciervo, testimoni de la passió principesca per la caça. Els murals combinen temes septentrionals, sobretot paisatges, amb trets específicament italians – modelat dels rostres, ulls ametllats com en les pintures de Giotto, i la perspectiva de l’estany. Aquest primer conjunt conservat, interpretat amb un naturalisme descriptiu, anticipa desenvolupaments ulteriors.
Detall de la decoració de la Cambra de el Ciervo, 1343, Taller de el palau dels papes (actiu a Avinyó cap a 1340) (Avinyó, Palau dels papes, Torre de l’Guarda). Artistes francesos i italians, com Matteo Giovannetti, van treballar a la Cambra de el Ciervo situada al quart pis de la Torre de l’Guarda, on Climent VI va fer instal·lar el seu llit. Els murs estan decorats amb escenes de caça i pesca i altres passatemps campestres, sobre un fons de paisatge encantador. Aquest cicle, que va ser admirat per sobirans i alts dignataris que tenien accés a la intimitat de papa, va tenir una influència considerable en el desenvolupament d’un cert tipus de pintura profana, d’estil gòtic internacional.
La formació per el viatge
propagadors de noves formes, els mestres itinerants van ser també exposats a noves influències. Això s’explica sens dubte pels successius viatges a les diferents capitals artístiques. Els llibres de models, que són com una mena de quadern de viatge en imatges, ho testifiquen. El de Jacques Daliwe, l’autor seria originari de Flandes, compta entre les seves fonts probables, miniatures parisenques i camafeus de la col·lecció del rei de França, tapissos de Tournai o d’Arras, pintures de Dijon i d’Hamburg. Un factor complementari de la internacionalització de l’estil, és la circulació de les obres mateixes. Nombroses peces d’orfebreria francesa transiten molt aviat per Alemanya, per Itàlia o per Espanya, ja sigui per l’intercanvi de regals entre prínceps, o com donatius a les esglésies de peregrinació. El comerç dels objectes de luxe explica també la difusió, dins d’una vasta àrea geogràfica, dels ivoris parisencs o de les tapisseries d’Arres. Així, no és estrany que els mestres reunits en treballs puntuals (cicles de miniatures, programes escultòrics), enriquissin la seva producció inspirant dels artistes de el lloc.Això és més o menys aparent, però els més grans mestres no ho desestimen, sinó que a contra, veuen en això un estímul per a la seva pròpia creació. En el seu Crist portant la creu, Jacquemart d’Hesdin s’inspira d’una obra de Simone Martini, el Políptic Orsini (París, museu de Louvre) on va integrar grups de figures sortides directament dels frescs de l’pintor Altichiero a Verona i a Pàdua. Jacquemart adapta aquests elements dins del seu propi llenguatge formal, més pintoresc i un clima d’emoció interioritzada.
Crist portant la creu, miniatura sobre pergamí encolat sobre tela, 1409, Jacquemart d’Hesdin (París, museu de Louvre). En aquesta obra, el pintor s’inspira de l’Políptic Orsini de Simone Martini.
El Gòtic internacional es difon ràpidament i s’expressa en els diferents països sota formes semblants, gràcies als viatges dels artistes, als intercanvis de tot ordre i sobretot a les estretes relacions polítiques i culturals entre les ambicioses corts principesques de tot el continent. El desenvolupament de el comerç internacional va engendrar de forma natural, una intensa circulació d’artistes i d’obres d’art. Els intercanvis comercials es feien principalment per via marítima, per Venècia i Gènova, per Barcelona, Bruges, Londres, Hamburg. S’assisteix a l’emigració dels millors artesans o artistes per oferir els seus serveis als prínceps. Aquests últims, seran gairebé els seus únics clients importants, ja que els seus gustos o la seva afició a la moda, els consagren a el paper de mecenes. Les universitats i els col·legis continuen tenint una importància cabdal. Es creen fins i tot noves universitats, com la de Praga en 1348. Així, una mateixa estructura social a Europa occidental, una mateixa comunitat de civilització, una estreta dependència econòmica i l’absència de fronteres, expliquen i afavoreixen la difusió d’un art que per no ser absolutament internacional – la idea de nació encara no existeix – es revelarà a través d’Europa d’una forma comuna, més o menys marcada pels orígens dels artistes, o pels gustos personals de la seva clientela principesca.
L’Adoració dels Mags, 1421-1422, Lorenzo Mònaco (Florència, Galleria degli Uffizi ). Els comitents d’aquella època, apreciaven molt el tema de l’Adoració dels Mags com a pretext a l’ostentació dels fastos de la cort, com la imatge d’una societat en continu desplaçament, però també com a possibilitat de donar una fidel representació dels pobles exòtics: en l’Adoració dels Mags de Lorenzo Mònaco, es pot veure a africans, turcs i mongols vestits amb els seus respectius vestits, en particular els seus insòlits tocats.
Atles català, 1375, Anònim mallorquí (París, Biblioteca nacional). Aquest mapa excepcional, atribuït a l’cartògraf mallorquí Abraham Cresques, va ser regalat pel rei Joan I d’Aragó al seu cosí, el rei Carles VI de França. Es compon de dotze folis muntats sobre panells de fusta. Un cop desplegats, ofereixen una vasta imatge de l’món representat per primera vegada fins a la Xina. Objecte de luxe i de refinament, és també una mostra de l’gust cortesà.
L’art cortesà i l’amor cortès
Al segle XIV, els prínceps van emprar a un nombre creixent d’artistes : arquitectes, escultors, pintors, orfebres o brodadors que ostentaven el títol de “ajudant de cambra”. Això no implicava per si sols una funció particular, però indicava que tenien rang a la casa de l’príncep i rebien una pensió, quedant lliures d’executar altres encàrrecs. Aquests artistes formaven part de la cort i adoptaven el seu esperit i els seus costums, als quals, sense cap dubte, se’ls ha de l’art refinat de l’època. Les miniatures dels germans Limbourg a les Molt Riques Hores del seu mecenes Jean de Berry, són un reflex d’aquesta vida de tall compartida. El frontispici d’un llibre de poemes encarregat a Christine de Pisan o Pizan per la reina Isabeau de Baviera, mostra un dels llocs on es desenvolupa aquesta manera de vida exquisit i cortès. L’art de la miniatura era també molt apreciat pels burgesos, els que en certes ciutats (Bolonya, Estrasburg, Colònia i les ciutats comercials d’Alemanya de el Nord), van ser els seus principals comitents. El seu llenguatge iconogràfic era a més molt accessible, fins que l’antiga erudició i l’hermetisme, conreats en el Renaixement, el van convertir en un art elitista.
Christine de Pisan presenta el seu llibre a Isabeau de Baviera, 1413, frontispici de les Obres de Christine de Pisan (Londres, British Library).En aquesta miniatura es pot apreciar la luxosa sala on la reina, envoltada de la seva cort de dames, acull a l’autora de el llibre.
Ofrena de cor, cap a 1400, tapisseria, llana i seda, (París, museu de l’Louvre)
La cort, però, establia les pautes. Els seus gustos estaven trets de temes literaris, com la poesia lírica i les novel·les de cavalleria, les mutacions dels sentiments amorosos i l’ús immoderat de l’al·legoria, que els convertia en personatges autònoms o objectes concrets. Era gairebé en sentit propi, que l’amant oferia el cor a la seva dama. L’amor alegorizado es sacralizaba. Sobre aquest punt, la mitologia i la literatura cortès es recordaven, a la una enriquint a l’altra. Ovidi era l’autor més estimat, i Christine de Pisan li va prendre prestat el tema per al seu Epístola de Othea. La literatura trobadoresca sobre l’antic fin’amors o amor cortès, havia acabat per impregnar les costums. El llenguatge adequat per a aquest estat de l’esperit era civilitzat, mesurat, elegant; l’art que li corresponia havia de reunir les mateixes qualitats. La preciositat dels gestos traduïa la dels sentiments. El vestit, molt cuidat, corresponia a la moda cortesana. En l’etern jardí de l’poeta se succeïen les mateixes escenes: primera trobada, intercanvi de peces d’amor, malenconia dels amants, encara que la història acabés sovint en amor impossible.
Apol·lo i Dafne, 1406- 1408, miniatura de l’Epístola de Othea de Christine de Pisan (París, Biblioteca nacional de França)
el pintor oficial era el responsable de la imatge del seu senyor i de l’entorn aristocràtic i refinat que l’envoltava. Les tasques d’aquest consistien en executar els retrats del seu protector i de les seves cortesans, realitzar els cicles de frescos a les residències més importants, pintar retaules o altres quadres destinats a ressaltar les qualitats o glorificar la família regnant. Aquestes activitats alternaven amb altres ocupacions efímeres: preparació de festes i tornejos, realització de decoracions de teatre, execució d’estendards i de pendons ornamentals, concepció de mobles diversos, disseny de vestits i accessoris, il·lustració de còdexs amb miniatures, mapes marítims, producció de models per escuts, armadures i divises heràldiques, jocs de cartes i objectes diversos, així com, els valuosos regals que s’enviaven a altres corts com a objectes d’admiració o emulació. A el pintor se li confiava també l’organització d’esdeveniments i cerimònies oficials, com banquets solemnes, recepcions i acollida de nobles visitants. En resum, un creador amb múltiples facetes i proteïforme, dins d’un camp d’acció extraordinàriament extens, el que cap imprescindible el treball en equip i l’organització d’un taller polivalent, capaç de dominar les diferents tècniques i materials. A Milà, a la cort dels Visconti, els germans Zavattari, amb gran pompa i gràcia amanerada, adornar una capella de la catedral de Monza amb frescos representant temes profans.
la història de Teodolinda: l’emperador Constantí arriba a Itàlia, fresc, 1440-1450, germans Zavattari (Monza, catedral). En aquesta escena d’estil gòtic internacional, es relata el viatge de l’emperador Constantí II Heràclit tal com és evocat en les cròniques de Paul Diacre i de Bonincontro Morigia. El comanditari de la fresca és Filippo Maria Visconti, duc de Milà, però el cicle serà acabat en l’època dels Sforza. El fast és d’estil cortesà. Teodolinda ha estat representada com una princesa de l’Trecento que viu en un ambient refinat, tal com indica l’abundant utilització de l’or.
l’home astrològic de les Molt Riques Hores de duc de Berry, 1413-1416, Germans Limbourg (Chantilly, Museu Condé). Al voltant de l’escena central de la miniatura, les elegants figuracions dels signes de l’zodíac adornen la representació minuciosa d’un calendari perpetu, realitzat amb precisió i gust per la fantasia. Els símbols zodiacals s’han col·locat sobre les parts de el cos que es consideren sotmeses a la influència dels astres corresponents a cada signe. La representació de les dues figures nues esquena contra esquena, tot i que plenes de fantasia, s’acorden amb l’anatomia concreta, el que confereix a la miniatura una forma d’ambigüitat màgica. La barreja de realitat i fantasia és una característica essencial de el gòtic internacional.
Més que les festes familiars i religioses que componen la vida cortesana, és una festa profana la que ens fa descobrir la imatge cortès d’uns prínceps que celebren a la seva manera el bell mes de maig, el retorn de la primavera. El calendari de les Molt Riques Hores els mostra a cavall, el cap cenyit de fullatge, acompanyant a les dames a l’són de les fanfàrries, o bé cavalcant solitaris, una branca florida a la mà. La imatge de tanta elegància i cortesia ens podria semblar artificiosa i banal, però la tristesa dolorosa dels Bessons de el signe zodiacal en el mateix Calendari, és el seu contrapunt. L’elegància de l’art i de les maneres, no podia fer oblidar la duresa d’una època de guerres.
El Mes de maig, calendari de les molt Riques Hores, 1414-1416, Germans Limbourg (Chantilly, Museu Condé)
L’esperit cortès va tenir una influència considerable en tot l’art de l’època i també en l’art religiós. El donant o la donant s’agenollen als peus de la Mare de Déu en majestat, de la mateixa manera que l’amant s’agenolla davant la seva dama o el cavaller davant el déu Amor. Si el propòsit canvia, la composició del conjunt i la delicadesa de l’dibuix són similars. Les línies sinuoses i els subtils drapejats pertanyen també a aquest corrent, a l’igual que les cares juvenils, els magnífics vestidures, els gestos amanerats i els dits extraordinàriament afilats. La barreja de dolçor i de joventut, de línies gracioses, de teles flexibles de rics colors, la bellesa de l’or gravat i el sòl cobert de flors primaverals, formen parteixen de l’encant dels panells de devoció privada, i la seva mida petita fa d’ells l’encarnació de el luxe suprem.
Coronació de la Mare de Déu, cap a 1410 (Berlín, Gemäldegalerie)